小火球刘翔《影像艺术创作中的家庭影像题材研究》
原创 刘翔 凡是摄影
| 凡 | 是 | 摄 | 影 |
本文根据刘翔在“蚂蚁隔壁班”微信群分享会录音整理而成，欢迎推荐或自荐分享摄影经验、摄影故事，具体请联系微信号：antphotos
开始之前先回答影友的三个问题：
《牧心记》怎么能做到公布与众？
我个人没有觉得这个有什么问题。第一，我确实受传统道德的约束，这种题材也确实会产生一些伦理问题，但目前公布的图片我认为没有什么不能见人的。第二，我认为《牧心记》不仅仅是简单的家庭记录，而是我作为专业摄影师的一次艺术创作。艺术要表达艺术家最深刻最强烈的生命体验，那现阶段我认为这就是我最强的体验。
国家地理摄影及评片对你现在的摄影的影响有多大？
国家地理是一个地理类的杂志，读者主要是对某一个话题、某一个选题感兴趣，但是可能并不是特别了解。所以照片首先要好看，要通过照片吸引大家进来。其次，这个照片要有足够的信息量，能告诉大家一些内容。一般读者看杂志是先看一遍图片，如果觉得有兴趣，才会去深入的看文字。所以，图片一定要做到这两点。这对我也产生了大量的影响，有好有坏吧。因为这事其实是一个双刃剑，你在这方面做的多了，在其他方面可能就会弱一些。关于评片，我个人觉得看别人的照片更容易发现不足，在自己拍摄的时候就会注意。所以我觉得评片可以让自己意识到其他人的问题，然后自己去避免。
为什么太容易看懂的就觉得缺少艺术性，而看不懂的又仿佛在猜谜一样，有种被愚弄之感？你怎么看？
第三个问题比较长，我也发到蚂蚁群里，让大家讨论了一下。其实大家对这个问题还都挺感兴趣的，那我就稍微多说一下。摄影一定要先有主题？还是先去多拍再找主题？我觉得摄影是没有一定之规的，每个人都有自己的方式。这两种都有人成功过，但对于我个人来说，我倾向于事先有主题，再去拍摄。
我更倾向于先有一个主题，有了主题，一方面你的拍摄目标更明确。另一方面，你明确的知道自己还缺什么查缺补。蚂蚁群之后安排了安帅给大家分享组照编辑。我觉得组照编辑是非常有意义的，并不是你拍完照片才有用，其实在拍摄之前作用更大。你拍之后可以请别人帮忙编辑，但是拍之前只有自己知道需要什么？还缺什么？从功利一点的角度来说，你有了一个主题，以后你就可以研究一下。这个主题其他人都拍过什么？有哪些不足？有哪些可以借鉴？有哪些空白可以填补？等你拍完了再发现你做的这个事儿别人早都做过了，那你的照片从艺术的角度上来讲，可能就没有那么大的价值。
“摄影图片为什么太容易看懂的缺少艺术性，看不懂的仿佛在猜谜，又有一种被愚弄之感。”这个问题我觉得太大了，我的水平可能回答不太好。简单说一下我的看法。很多艺术家根本就不认为艺术是有界限的艺术和非艺术。比如杜尚的那个喷泉，把一个男人的小便池放到艺术厅里面，他把一个实用器从现实中抽离出来，就是否定了艺术的界限。然后在他之后，很多后现代主义的艺术家也都重复了他的做法。比如说安迪沃霍尔的波普艺术等等，再之后的艺术家又进行了很多探讨，去否定这些说法，我们就不一一展开了。所以我想我们不能从一个作品到底有没有艺术性的去谈，还要先聊一下，什么是摄影的艺术性。
我们知道艺术有很多层面，第一个层面是知识，我们从艺术里面可以学到好多历史文化；第二个层面是政治，这个就不用细说了；第三个层面是经济，艺术品的增值等等；第四个层面是社会，比如说很多人反映环境问题；第五个层面是审美；前面那些层面太大了，可能和我们的关系也不是那么紧密，所以我们就不展开探讨。如果要探讨可能就要好多节课，我们只是从美的这个层面来讲。过去很多书，那种艺术类的书，其实都是在说美学。所以我觉得从这个方面来了解是恰当的。
中国的古典美学认为，意象是艺术的本体。我觉得对西方的很多作品也都是适用，肯定不完全，但我觉得可以代表了很多的作品。那我们先假设一个作品有意向，在这个基础上再去探讨为什么看不懂的问题。我个人认为看不懂，主要
是有四个原因：
第一个原因，我个人认为艺术作品本身就是多议的、也是宽泛的、也是不确定的、也有无限性。不同的欣赏者对于同一件艺术作品。可以有完全不同的感悟和领受。我们看很多作品也都会有各种各样的解读，有一些会被说成是过度解读，我个人认为不存在过度解读。艺术家自己本身对自己的作品就没有解释的权利。一个艺术作品摆到那儿，每个人都会有自己的感受，或多、或少、或东、或西，我个人认为是没有对错，也没有高低的。
“江馆清秋，晨起看竹，烟光日影露气，皆浮于疏枝密叶之间。胸中勃勃遂有画意，其实胸中之竹，并不是眼中之竹也。因而磨墨展纸，落纸倏作变相，手中之竹又不是胸中之竹也。总之，意在笔先者，定则也；趣在法外者，化机也。”
各位如果是初学艺术，一定会听过这一段话。郑板桥说的关于“眼中之竹，胸中之竹，手中之竹”，其实这就是代表了一个转化。眼中之竹是实物，胸中之竹是意向，手中之竹是这个意象的物化，也就是所谓的艺术品。
那我们通常所说的审美活动其实就是对作者的手中之竹的观赏，但是我们要把作者的手中之竹再转化为我们自己的胸中之竹。那这种意向在从郑板桥的这个胸中再转化到我们的心中，那一定是有变异的，这种变异就会造成了我们跟作者的理解的不同，其他人也跟我们一样，都会有这种根据自己的阅历经验造成的不同，所以我个人认为是没有问题的。第三就是我们的生活环境不一样，那肯定有一些东西就是理解不了的。比如说，西方人可能感受不到我们中国人喜欢的梅兰竹菊。包括我们看西方的很多作品，没有在那个环境下生活，很容易理解不了。
第四点要跟大家探讨的“到底什么是美”。我们知道现在大家都流行什么小鲜肉啊，或者是整容啊，让大家都一个模样。按照美学理论家的观点就是：世界正在朝着美的荒原化发展，就是美的平均化。平均美不是真的美，而是以美的这个名义去扼杀美。艺术家就是做这样的改变，让大家不至于陷入这样的一个困境。
开始正式讲课
1.笼统梳理家庭影像发展
2.以拍摄对象划分，简单介绍国内外家庭影像艺术作品
3.以个人作品《牧心记》为案例，反馈一些拍摄中遇到的问题以及不同的几种呈现方式。
在绘画时代，虽然画家会画自己的家人，不管是孩子还是妻子，或者出于商业目的给一些富人和权贵画像。但是由于成本太昂贵，家庭成员的肖像并不是很普及，也就没有形成家庭影像的概念。家庭影像是摄影诞生之后出现的一种视觉文化现象。相较绘画而言，虽然成本是极大的下降了，但是也并非像今天这样唾手可得。在摄影诞生的初期，家庭影像更多的是一些业余的影像，摄影史中的作品基本都是专业影像。所以无论在这种主流摄影史还是电影史，家庭影像和家庭相册几乎都没有被提到过。但是不可否认，家庭影像又一直是影像拍摄中最日常的部分，它的数量非常的多，份量也非常的重。我个人认为家庭影像是不能被忽视的。
大家一定都经历过小时候的那种一个胶卷儿特别珍贵的时候，不像现在拿着手机随时拍。在早期的银盐时代，摄影是非常有难度的，成本也很高，所以家庭影像并不普及。一般情况下，传统的家庭影像都是记录一些节日庆典或者家族中的重大事件。通常也只产生于比较富裕的家庭。一般也不是家庭成员自己来拍摄，都是请外面的摄影师。这样的家庭影像有个优势，很好的展现了血脉关系，通过老照片里面家庭成员的站位，基本上就可以了解这个家庭里面所有人的地位。
上世纪的八九十年代，随着摄影技术的成熟， 135小型相机的普及。基本上大部分家庭都有了自己的相机，家庭影像开始越来越随意了，大量业余的家庭影像充斥着各个家庭的美好，充斥着各个家庭的真实，呈现在一本本家庭影集之中。但是这一阶段的摄影仍会涉及拍摄成本、冲洗等原因，拍照还是一件比较正式的事儿，不会像现在这样。到了21世纪数码相机的成熟，家庭影像就不在是传统的东西了，更多的是存在电脑硬盘或手机相册里。家庭影像的拍摄方式也更加随意了，人们不再刻意的去着装、去化妆，把发一张合影当成非常正式的事件。再之后互联网的兴起，更是给数码影像注入了催化剂。无数照片在微博、朋友圈这些媒体里传播。
到了现在，我们其实已经很少能见到实体的家庭照片了。传统的家庭相册也都不如以前那样重要了，以前我小时候不管谁去了谁家，第一件事都是拿出相册大家互相显摆一下，现在大家都不会去做这样的事儿了。更多的是在微信朋友圈里边去分享，也会使用这些媒介去翻阅、去回忆。这样就导致了家庭影像由私密性转向公众性。以前大家要去到你家里才能看到你家的照片，现在大家只要翻一下你的朋友圈，家里边什么人？都干嘛的？家庭布置什么样？就全知道了。私人信息暴露从被动转成了主动。
如果你翻阅任何一部伟大的小说、电影或者是绘画作品，或者是任何一种艺术门类。都会发现没有一个艺术家，对一个集体聚会中的每一个人，穿着、表情、周围环境，都耗费大量的笔墨。但是这些东西又都是家庭影像中的重要部分，只有摄影做到了这一点。在这样的一个现状和影像发展的背景下，越来越多的摄影师和机构都以家庭影像作为自己的主题。很多影赛、影像计划呀，都来做这些，代表着家庭影像在当下社会的一个繁荣状态。我们梳理下摄影史中出现的这些伟大的艺术家们。
卡梅隆夫人英国的一位摄影师。46岁才开始自己的这个拍摄，是女儿送她的一个相机。她的作品虽然不是家庭影像，但是拍摄对象都是家人和朋友。因为她没有什么其他的拍摄对象。她是摄影的第一个流派－高艺术摄影的一个代表人物。也是画意摄影的前身。顾铮老师在《世界摄影史》里有一句话，对卡梅隆夫人的描述非常精确：卡梅隆夫人从事摄影的目的很明确，就是如何通过肖像摄影进入对象的精神世界，同时确保艺术作为高雅艺术的地位。
卡梅隆夫人是我们能找到的第一位摄影史中拍摄自己家人的摄影师。但是我个人认为，这种创作属于下意识的，并不是真实的记录一个家庭的生活状态，甚至不是记录家庭生活。所以我个人认为她不属于家庭影像，但是确实是最早对自己家庭成员拍摄的一种探索。高艺术摄影其实就是精巧的布景、豪华的陈设、精心的指导、服装模特儿等等，这样一种画意摄影。
苏珊.桑塔格对卡梅隆也有一个评价：尽管卡梅隆的作品有些夸张，但是所具备的独特的心理观察能力，能够深入人的内心世界，充分展现人物的鲜明个性。为什么要跟大家分享她呢？小火球摄影群里经常有人发拍摄的自己家人，都是糖水片儿写真，跟影楼拍的照片没有什么区别，展现不了你的家人的精神面貌。我们要学习她的这一点。
1962年的时候，美国纽约现代艺术博物馆MOMA为法国的这位摄影师拉蒂格,做了一次关于家庭相册的展览，展览了他的101本家庭相册。这算是第一次把家庭影像纳入主流的摄影师。刚才发了三个照片，一个是他的妹妹、一个是她的情人、一个是她的哥哥。拉蒂格是一个特别神的人，他出生在一个特别有钱的家庭。七岁的时候他父亲就开始教他摄影，用的是13*18英寸的大画幅相机，拍摄他认为生活中的美好回忆。一直到他92岁去世的时候，他拍摄了15万张照片,一共是120个摄影集，然后还有5万页的日记，还有几百万幅图。他生动地记录了一个资产阶级的生活形态。
萨考夫斯基对拉蒂格的评论应该是：他的作品是一个真正的直观与原始。因为拉蒂格发现了现代摄影的本质，就是通过生活的变化、流动来拍摄照片。这句话我认为就是家庭影像所追求的。
我们纵观整个摄影史，不难发现很多摄影师都是自觉或者不自觉地进行过家庭影像的创作。比如罗伯特.弗兰克在他的作品集里面也有妻子给孩子喂奶的照片。包括他的代表作《美国人》，最后一页是他的妻子和孩子并肩倚坐在车里。
在当代的语境里，摄影的手段和审美都有了一个重大的突破。当代摄影涵盖的范围非常广，除了观念摄影，还包括实验摄影、先锋摄影、前卫摄影等等。以当代摄影的创作手法，以家庭关系为出发点，以家庭成员为创作主题和拍摄对象，进行主观的编排和摄影创作的家庭影像，逐渐发展成了艺术创作的一部分。成了严肃题材的摄影专业创作，这也就是我做《牧心计》的意义。
大部分摄影师的拍摄动机，都是对某个事件的关注，或者以某个事件的发生为契机。比如：子女的出生、亲人的健康或者家庭有了某个转折或者对某段记忆的重新回忆等等。2019蚂蚁大奖得主黄奕亮的摄影起步就是因为女儿的出生。我认为这个特别有意义，照片的拍摄出发点都是为了给自己留存记忆、留存真情实感。这样的拍摄从伦理的角度上来讲，当然是没有问题，但是容易造成另一个问题，就是社会的公众性、还有话题性不足的问题。
“正是在长久以来被忽视和轻视的家庭摄影中，对话和表现的特点得到最充分的体现，或者至少是最自发的体现。家庭摄影并不像我们通常认为的那样毫无个性特点。由于通俗普及并且属于个体活动范围，家庭摄影在主题、用途、工艺和审美上，都具有极其鲜明的独特性。”摘自《摄影：从文献到当代艺术》（法）安德烈·胡耶，袁燕舞译，浙江摄影出版社，2018，第143页。
我引用这句话，因为这是对家庭影像非常好的诠释。我觉得有了这句话，其实刚才那个问题就不是问题了。书名还有作者我都发出来了，节省一下时间。
另一方面，随着家庭影像越来越火，我个人认为，现在家庭影像其实有一些被过多的拔高和提及了。这样导致的后果就是正常拍的照片没有办法出彩，那你只能别出心裁，应用一些大尺度或者颠覆传统伦理去达到一个目的。我个人是不太喜欢特别疯狂的照片。
我在整理所有的家庭影像，挑选一些做了分类。第一类是以父母为拍摄对象的；第二类是以妻子或者丈夫的拍摄对象的；第三类是以子女为拍摄对象的；第四类是以家庭或者家族为拍摄对象的；第五类是一个现成影像的再创作。分这几类去给大家粗略的讲一下家庭影像。
以父母为拍摄对象进行创作：
焦波《俺爹俺娘》，从74年开始用纪实的语言拍摄自己的父母，一个记录片一个摄影作品。焦波老师的视角非常平实，看似普通的农村老百姓的父母。实际上是一个以小见大，反映现在农村生活的变迁；包括新一代中国夫妻的感情模式；包括中国孝道文化表现。无论是焦波老师的摄影作品，还是他的纪录片，我们都能发现其中的一些比如说田园之美啊、自然之美呀、乡村之美呀、劳动之美啊等等。不管这些劳动人民的生活质量好坏，在焦老师的镜头里面，他们都是值得赞扬的，这种赞扬不是什么阳春白雪或者下里巴人，而是一种质朴无华。
拉里·萨尔坦是纽约的一个摄影师，我特别喜欢他。前年北京的《文明当代生活启示录》里面有他的作品。拍摄了一个三级片儿的拍摄现场，也很有意思。我们知道，萨尔坦生活在里根时代，里根时代保守派用家庭形象还有家庭制度来鼓舞人心。萨尔坦试图揭穿这个虚假的家庭神话。所以从自己的家庭入手，拍摄自己的父母来证明其中的落差。
萨尔坦一开始只拍摄自己的父亲。但是他自己说，在他第一次冲洗出父亲照片的时候，他感觉自己是在重塑父亲。我们知道摄影师有这个能力重塑一个人，他把他拍得和这个实际完全不一样。而且他是在监视他的父亲。关键的是他在脱离了父亲的监视，只是单方面的去监视他的父亲。他觉得特别有意思，所以他找出了大量的旧照片儿。如果你看他的画册，他主要是提出对时间、对记忆、对历史的追问。与其说这是一种记录，我觉得还不如说是一种希望，或者是一种白日梦。
这是以色列的一位摄影师叫埃莉诺·卡卢奇的作品。在我刚拍摄《牧心记》的时候，也就是2018年底，我去找了蚂蚁的另一位群友叫周满.他给了我三本画册，这是其中的一本。我从这画册里才知道了这个存在，我觉得他的作品也特别有意思。卡卢奇是1993年开始拍摄自己的母亲，但是拍摄的都是特写，要么是一只眼睛或者是给她涂口红，然后这样去暗示自己的一个身体的成熟。它所描绘的人物都是毫不掩饰暴露在自己的镜头下，影像是完全不受限制的，也都是我们日常所忽略的。我个人觉得他的这个影像非常的私人，非常的自我，但是情绪特别的强烈。他虽然有明显的摆拍痕迹，但这都不重要，这样的摆拍其实是更真实的。这是摄影师对自己生活的一个理解。
我觉得可能是文化的不同，我是肯定不敢这么拍的。那他的视角我们能看到，其实非常的亲密，非常的大胆。照片直接跳过了诗意的那种距离感，直接就切入到拍摄对象的空间里面。他的作品有大量的肉色、红色，包括金色的阳光。这些其实都是给观者提供一种纪实性或者是物质世界的感觉。我们通过看摄影师母亲红唇，包括她的一些紧身衣、紧身袜或者其他的一些私人信息。我们就了解了一个正在逐渐衰老、脆弱的肉体，也吸引我们去探索其中更多的一些东西。三位摄影师都是拍摄自己的父母，但是拍摄的手法是非常不一样的。我们都能在他们的作品中找到对父母的情感。这些情感我也希望融入到我的作品里。
以妻子或丈夫为拍摄对象进行创作
荒木经惟（Araki Nobuyoshi）《感伤之旅》（《センチメンタルな旅》）
以妻子或者丈夫为拍摄的这种家庭影像，我个人觉得是家庭影像里面最有争议性的。因为拍摄对象非常独特，涉及到两性关系等等话题，更加敏感，更加私人。所以我觉得这种既需要对影像本身研究，也需要对拍摄者不同的价值观、道德观、伦理观去研究，这样的话才能更好的尊重和理解创作者本身的手法，包括利益和意图。那我现在就拿这两位摄影师一位日本的荒木经惟，还有一位中国的戴建勇拍摄的朱凤娟也就是他的妻子。
荒木经惟的这个感伤之旅，其实是好几本作品。主要是拍摄他的妻子阳子，从新婚蜜月一直到去世，包括去世以后的一些事儿，觉得特别有感情。这就是他真实的家庭生活的记录。不是以家庭相册那种封闭的形式存在，而是以摄影集的形式去公开。它里面有大量的私影像，都是一个非常张扬的形式出现，可想而知其中的冲击力。包括一些做 爱的场景等等，但那些场景既不是美学式的人体，也不是色情式的肉体，而是一个男人视角下，真真切切可以触摸的裸体。
他的感伤之旅，你能感觉到荒木经惟极度的悲伤。前半部分是用了21张照片，把之前的那些阳子的照片重新整理了一下。你从那里面就能感受到阳子是预见了自己的死亡，因为这是荒木经惟的一个态度。后半部分是整个作品集的核心。呈现了阳子去世前后的记录，配合大量的文本，对整个故事的成立起到了重要的作用。我觉得文本也特别重要，蚂蚁有一位摄影师叫白杉，他也是用了大量的文本配合着这个画册的呈现，做的特别好！
戴建勇，70后的摄影师非常年轻。他用非常业余的叫掌上宝的摄像机去拍摄这样的一个内容。用一个非常个人的视角记录了他的家庭生活，包括对自我的寻找，对未来的向往等等。他拍摄妻子年轻的照片，都是刚刚对摄影感兴趣，刚开始使用相机，也没有受过什么专业教育，处于一个习作。包括里面的一些非常大的摄影问题，闪光灯的误用、曝光的不足、随意的构图、包括胶片冲洗各种各样的问题都非常直接。但是我觉得这恰恰构成了一个非常真实的记录。所以大家不要觉得自己没有学过多少摄影就拍不出好作品。只要你的感情是真挚的，花上时间一定可以拍到好作品。
仔细看他的作品，就会发现家庭影像从来不是单纯的对镜头前的一个记录，还折射着摄影师跟被摄者的一个关系，这个是家庭影像跟很多摄影作品的一个区分。因为家庭成员都是跟摄影师密切相关的，包括摄影师自己的情绪，在这个作品里面都是有传达的。戴建勇的照片就是以非常的真诚态度，去展现自己所见的一个普通女子。我们可以看到从年轻美貌20岁出头，到初为人母30岁。这十年，毫无保留地展现在相机面前。正是因为摄影师的无处不在，也是因为摄影师与拍摄对象的近距离，才使得这些珍贵的影像得以保存。这就是我后面要讲到的家庭影像的优势。
以子女为拍摄对象进行创作
森友治《家庭日记》
子女通常都是家庭中最核心的成员，以子女为拍摄对象的那种家庭影像也是家庭影像里面关注度最高的创作类型。森友治是日本的一个摄影师，他拍摄的《家庭日记》是以自己的妻子、女儿、儿子还有一只狗。场景都是在他的家里，但是从照片里面我们也能感受到一种非常美好的瞬间。这种照片是商业的家庭影像拍摄里面最推崇的。就是拍一些吸引人、感动人的小部分，包括一些我们日常所忽略的生活细节。这种看似与我们无关的私人场景，在某种程度上放大了我们对一个简单生活的漠视。唤起我们对家庭的回归与发现。
莎莉·曼《亲密家庭》
这是美国摄影师莎莉.曼用大画幅相机给自己三位子女拍摄的作品。她的作品也不是真实的记录家庭状态，都是导演的形式拍摄，其实并不属于家庭影像。是以自己的子女为模特，他的作品都是去叙事化的，也是去纪念意义。在她的照片中，我们看到照片本身所呈现的三个子女以外，更多的我们看到的是每个人在成长过程中的一个共同的记忆和情感。我个人还是很喜欢的，这三个孩子充满了纯真、充满了戏剧性、充满了野性。除了一些很漂亮、很欢乐的场景以外，更多的是关注孩子一些比如说安静啊、哭泣呀、甚至一些怪异的举止。我觉得这才是更符合孩子的天性的，也更符合我们每一个人成长的历史。
另外，我刚才说到了莎莉.曼使用的是大画幅相机，大画幅相机拍摄一张照片是很慢的。有时候甚至需要十分钟或者更长。所以孩子们为了配合母亲的拍摄，就需要长时间保持同一个姿势不动。而这也就是他的孩子成了这个摄影创作中的一个重要参与者，这也是莎莉.曼照片的一个独特的魅力。
以家庭或家族为拍摄对象进行创作
深濑昌久《家族》
以家庭或者家族作为拍摄对象进行的创作，也是社会研究的一个重要样本。通过一个家庭或者一个家族，能看到整个社会的微缩的表现。这是日本摄影师深濑昌久的家族作品展览场景。我们都知道他拍摄的《鸦》非常的出名，这个家族拍摄得也非常好。我们能看到这里面都是摆拍，以这种合影的形式。里面有他的妻子或者有他认识的其他一些女性成员，比如说女舞蹈家等等。让她们半裸出现在合影中。这个照片你初看会觉得很不协调，但是这个不协调就是深濑昌久所要表达的。这组照片是他很久没回家了，回到家以后对整个大家族的一种违和的感觉。
米奇·爱泼斯坦《家族生意》
米奇·爱泼斯坦特别有意思，拍摄《美国能量》、《家族生意》。他的家族落败了，他回到家庭里面并没有帮助家族而是去客观地记录这个家族的落败。他拍摄自己的家人本身就不容易，还要通过拍摄自己的家庭去揭露一些社会问题，另一方面他又要去保护自己的家人。所以在他的画册里，你看上去其实是有一些矛盾、冲突和发展。画册里面除了照片，还有一些后记，包括还有家庭成员和雇员的一些谈话，一些快照、家庭老照片、笔记、剪下的旧报纸、包括视频、截图等等非常丰富。很多摄影师都这么玩，今天的摄影不仅限于只是拍摄，可以把以前的东西都放进来。
我们看了整个的画册，就能感受到米奇·爱泼斯坦作品首先是从个人家庭的破产，扩展到一个更广泛的社会议题，整个美国的经济问题。然后又从社会性回归家庭的本身，最后回到项目的最后一个任务：克服自己与父亲数十年的隔阂，逐渐进入父亲的世界，米奇·爱泼斯坦最终原谅了自己这个失败的父亲。我发的照片是这本画册的最后一页，摄影师用一个俯视的视角拍摄自己的父亲在水中游泳。父亲的身体淹没在黑暗的水中，只露出头、肩膀、手臂。在这个照片里，父亲已经不是小时候让人恐惧的家长，而是一个非常脆弱、非常无助的老人。照片中流露的除了父亲对命运的屈从，还有这个抛弃商业社会以后剩下的人性的本真。
路易斯·奎尔《大哥》
这是我2017年在连州展览的时候，我楼下展厅的作品，路易斯·奎尔拍摄的《大哥》。我认为这是那年连州最好的作品。他大哥叫贾斯丁，是个精神分裂症患者。他有一些爱好，比如：画画、观鸟。展厅里面除了摄影作品还做了很多装置，包括观鸟的小屋，包括大哥的绘画等等，非常非常的有爱。前几天有人发了这个链接在小火球摄影课堂让大家讨论，我认为比《牧心记》好1万倍。有些人不太理解，说这个没有拍出精神病的特征。因为那篇文章的名字被翻译成《精神病的大哥》，我说这是文章翻译得不对，作品名称就叫《大哥》，表现的是对大哥的爱，精神分裂症只是大哥的一个特点而已。
路易斯·奎尔的作品，表现的大哥有很多特点，除了疾病还有很多值得被关注的地方，比如说观鸟儿、比如说绘画、比如说诗歌，他还有一个女朋友。他的作品包括装置、绘画、摄影、病例包括警察的一些笔录。作品包括诗歌就是揭示大哥在疾病之下，光明和黑暗并存的生活。还有大哥和他妻子的爱情，挑战了周围人的陈旧观念。
苏文《北京银矿》
《北京银矿》是法国人苏文做的而不是他拍的。苏文把中国上世纪八、九十年代的这些“垃圾”捡回来重新扫描。我们知道中国在上世纪八、九十年代，胶片机在中国最盛行的20年。记录了中国改革开放以后迅速翻盘的一个时代，是无数中国家庭影像最繁荣的时候。这里面我们可以看到诸如普通家庭的婚礼记录；天安门广场的合影；墙上挂着玛丽莲.梦露的海报；还有各种各样的麦当劳叔叔等。
你会发现这些照片，大家都不是作为艺术创作来为自己的家人拍摄。但是家庭影像在这个阶段进入了一个最繁荣的时代。包括大量儿童在深莞的照片，照片中的父母按当时的审美和想法，将一些所谓的时尚、夕阳娃娃、中国神话等元素强加到孩子们身上。这是当时社会，人们心中最自由、最单纯、最直接、最真实的一个选择和搭配，不被任何既定的价值标准左右，是一种完全个人化的选择和释放。前年连州摄影展，中国摄影师邓坚展了一个“偲偲”。他把85到90这五年拍摄的旧照片影像直接拿来展览。让我们仿佛回到了30年前。包括日本的摄影师大塚千野，也是利用旧照片在相同的地方再拍摄，然后合二为一，做一个与自己的合影等等。
通过上面分享的案例，包括很多大量没有分享的案例，我们可以知道任何一个题材都能成为家庭影像的表达。题材并不限制摄影师的表达手法。家庭影像的方式可以多种多样，我们每个人可以根据自身情况的不同，有针对性地选择某种形式去模仿，去吸收。吸收他创作中的一个闪光点，去拍摄属于自己的家庭影像。我们可能在艺术创作上没有过多的追求，但是在回忆自己的家庭上一定是有追求的。所以我觉得大家了解这些后可以动起来，开始拍摄自己的家庭影像。
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怎知是朝夕|刘翔
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牧心记创作两年总结｜刘翔
那下面。我分享一下《牧心记》的一些内容。
我是一个职业摄影师，所以我一直在进行拍摄。当我妻子怀孕有几个月了，我去找我的研究生导师电影学院的朱炯老师，让她帮我看一下作品。朱老师说：你妻子怀孕了，你为什么不拍拍妻子呢？这个事儿不是很有意义吗？经过朱老师的点醒，我开始拍摄牧心记。
小火球摄影课堂经常会有人问我：怎么学摄影啊？怎么进步呀？看什么书呀？看什么作品啊？这些也都很重要，但是我个人感觉最重要的就是找一个好的老师。可以说，朱炯老师对我整个摄影生涯的影响，百分之七八十是有的。如果没有朱老师，可能我现在还什么都不是。所以，各位想在摄影上有所进步，一定要找到一个特别好的老师。
《牧心记》已经拍了两年啦。这个选题一定会一直拍下去。目前对外呈现的只是第一组，第二组就是那个每隔半小时拍一张，然后一天拍48张，这样每年拍一组，连续拍几年凑成一组。然后第三组就是延续第一组的传统的拍摄手法继续拍摄的一个选题。
各位打开《牧心记》的链接，看到的第一张照片就是一个特别像弥勒佛的那张照片。这是《牧心记》里最受人喜欢的。在很多评论里面，大家对我的作品感觉一般，但是都记住了这张照片。这张照片是手机拍的，而且是我们家当时随手拿的最差的一个手机。因为相机离得太远了，这个瞬间转瞬即逝，等我手机拍完了再回去拿相机的时候，表情已经没有了。所以我一直跟大家强调，不要太强调器材，尤其是纪实摄影，器材真的不是最重要的，拿手机就可以完成大量的拍摄。
最后稍微探讨一下并置，因为小火球摄影课堂刚好聊到并置的话题。我提出了我的看法就是：并置一定要产生1+1大于2的效果，否则的话就会造成审美疲劳。这组照片刚好参加了今年的国展。很多人分享“如何能进国展”都说千万不要并置，虽然能省一张照片，但是很难进。我投这组照片就是通过并置入选的。包括后来中国摄影报的编辑，大众摄影的编辑都问我确定要使用并置的方式吗？我说：是的，确定！大家看这些照片，无论从内容上、结构上或者是色调上，他总是能够统一，又有丰富元素的作用，它可以产生1+1大于2的效果，放到一起很和谐，这种时候它就是有加分的，只不过大部分的并置都达不到这一点。
时间有限，具体的我就不细讲了，基本上就是这样的一个内容，如果大家觉得有什么不对的，欢迎指正。
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END
本文整理：宋卫华
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原标题：《小火球刘翔《影像艺术创作中的家庭影像题材研究》》