李游：《跟大师学摄影》学习笔记

本书按主题来呈现作品，打破了传统的摄影类型分类，提供了一种新的视角和思路，揭示了作品背后的理念和技术运用，并配以广博的历史知识和宽广的国际视野，无论是初学摄影的人还是经验丰富的专业摄影师都可以读，是一本不可多得的摄影史入门书和摄影创作指导书。【学习笔记】通过提高你的摄影视觉审美和构图感，能够大大提高你拍摄的家人及朋友照片的水准。这幅照片拍摄的是摄影师的父亲在一个安静的瞬间作画，他是一位艺术家，照片是在一次探望时用手机拍摄的。（2015年）【学习笔记】画面中的克罗地亚人正在庆祝国家独立日。对着背景中的天空进行曝光，闪光灯也设为相同光圈。这样就能平衡画面的前景光与背景光，同时保留黄昏下的细节。（1991年）【学习笔记】拍摄时画面以外的内容与你纳入取景框的内容同样重要。这幅照片拍摄的是波黑冲突期间举行的一场葬礼。画面的重点在玫瑰花与士兵军装的对比上，集中表现了此刻的情绪，并采用象征的手法传达了出来。（1992年）【学习笔记】弱光下拍摄会产生出乎意料的结果，但摄影师坚决不用闪光灯且尽最大可能保持相机稳定，因而这间日式居酒屋的微妙光线得以保留。（1994年）【学习笔记】这幅照片是摄影师用一台6厘米x17厘米的富士专业全景相机拍照的，当时萨拉热窝正遭到围困。许多数码相机都有全景模式，或者可以拍摄一系列重叠图像，然后通过后期加工将它们拼接成全景图像。（1994年）【学习笔记】逆光拍摄呈现了一幅几乎是单色效果的沙滩照，傍晚的阳光让阴影与高光部分都带上了一层暖色调。长焦镜头同时压缩了透视。（2005年）【学习笔记】这幅拍摄于乌兹别克斯坦古城布哈拉的照片捕捉到这样一个瞬间：光线和街道上的活动与呈几何形状的建筑完美结合，形成了一个平衡的构图。画面中靠右侧的那个黑色小人可以当成一个标点，引导观众的视线回归至画面的中心。（2002年）【学习笔记】这幅照片拍摄的是索马里饥荒时期的一座难民营。那天阴云密布，突然有一束光劈开云层射下来，形成了一圈围绕在患病男孩周围的人影，摄影者以这种方式来强调世人关注此类事件却没有有效地干预。（1992年）【学习笔记】高峰时段的上海给摄影师提供了一个展示繁花都市的节奏与活力的绝佳机会。从正上方拍摄能凸显场景中重复的线条和人流。（2004年）【学习笔记】当我们看新闻图片时，我们很容易忘记摄影师并不是隐形的。实际上，他们和那些他们正在报道的人一样，都是当时情境中的主角。（1992年）【学习笔记】这幅照片拍摄于萨拉热窝街头。为了保留高光与阴影的高对比度照片中男人的面部进行了十分谨慎的减淡处理，以提升高度，让人看清其面部特征。1993年【学习笔记】加深高光区域，可以给天空增加戏剧性的效果。这幅照片展现了索马里饥荒所造成的悲剧规模之大。（1992年）【学习笔记】随时携带相机十分重要，这意味着当机会发生时，你可以抢得先机，如这张照片所示，在巴尔干的婚礼上，人们突然即兴唱起了歌。（1996年）【学习笔记】这幅照片中，摄影师弗朗西斯•弗里斯利用三角形船帆、船帆在尼罗河中的倒影及前景中的河堤，组成了重复的造型。弗里斯擅长使用人物作为参照物，来强调远景的宏伟，并且注意营造清晰无障碍的视角。他说：“要是我们能够控制观看的角度，那将会拍出多么精彩的照片啊！”（1863年）【学习笔记】在这幅作品中，安赛尔•亚当斯在暴风雪结束后立即开始拍摄，确保山上有薄薄的一层雪凸显出画面中的地形地貌，照片引领着观看者的目光进入山谷，利用前景中的暗处引导观看者关注画面中央被太阳照亮的部分，特色是注意到阳光照射下瀑布所形成的纵向线条。负片获得了完美的曝光，捕捉到了从黑色到白色，以及不同灰度的影调细节。（1937年）【学习笔记】这幅作品的正方形画幅有助于安赛尔•亚当斯强调画面中不同正方形和长方形的重复形状与人工修建的整整齐齐的草坪上蜿蜒至前门的小路的对比。房间里的人像是被孤独所囚禁，在她安全的简易房屋中与世隔绝。当你在构图时，也可以尝试去寻找重复的造型和形状。亚当斯的作品让我们意识到，即便是最无聊、最平淡的地点也有拍出伟大照片的潜质。（1974年）【学习笔记】斯滕菲尔德对色彩的细微差别和微妙之处有着敏锐的感觉，他认识到色彩可以跟形式美一样传递内涵。这幅作品中的棕色、黄色及土地的色调错落有致，阴天的光线令画面有一种光泽，即便是照片中人们所穿的衣服也有着和谐的颜色，男孩衬衫上的黄色和蓝色正好与婴儿床上的图案相呼应。摄影师可以尝试拍摄颜色有限的画面，去探索色调与色彩的微小变化是如何提升照片水准的。（1974年）【学习笔记】维翰•戴维斯的摄作品构图经典，远景宏大，细节丰富。这幅照片描绘了英格兰北部的工业景观。在如同纪念碑般矗立的发电厂冷却塔的映衬下，踢足球的人显得十分矮小，象征着英国工业的起起落落。在画面的左下角，一匹小马表示这片地方过去曾是乡村。多层次的画面吸引了观者审视景观的四周和内外，仿佛在看地图一样。冷却塔灰色调的微妙渐变在视觉上非常赏心悦目，但这其实是拜经年累月向大气层释放的灰尘和有毒物质的沉积所赐，而这些被污染的空气正是画面中那些小小的人每天都在呼吸的。（1983年）【学习笔记】英国摄影师保罗•格雷厄姆拍摄的这幅照片展示了远距离的观看角度是如何将北爱尔兰问题置入社会景观的语境之中的。这幅照片有一种静止感，就像在流动的时间中抓住了静止的一刻，这种体验是格雷厄姆情感的核心。对此他解释说：“通常，摄影只是在世界停滞于某一时刻时，捕捉一堆定格的碎片化瞬间。我一直试图通过引入时间，来逃离这种水晶般脆弱的概念，让时间能被人们感受和体验到。”格雪厄姆试图找到新的方式来描述世界，刻意让影像曝光过度，他认为：打破常规会使你“意外揭示摄影的潜规则。”（1984年）【学习笔记】这幅美丽而静谧的照片是对海上光线特性的探索，天空的颜色和色调有着微妙的渐变，水中的倒影营造出迷人、舒缓的效果。美国摄影师乔尔•迈耶罗维茨拍摄的这幅照片尺寸如此之大，还是彩色的，在当时的摄影界十分罕见，对照片的呈现产生了深远的影响。（1986年）【学习笔记】美国摄影师理查德•米斯拉克拍摄的这幅照片由几种和谐的颜色与色调组成，基于黄色、橙色、棕色和浅褐色。画面左边吧台上方有一抹鲜红的可口可乐标签，为照片带来一丝别样的色彩。他认为“沙漠……能很好地衬托出人类与环境之间问题重重的关系”。（1991年）【学习笔记】英国摄影师杰姆•索瑟姆的这幅照片选自诺曼底海岸拍摄的落石系列。画面构图以落石为中心，四周的斜线汇聚于落石，而落石又沿着斜线分散开来。阴天柔和的光线将色调微微不同的灰色、棕色、浅褐色调和在一起，令整体画面颜色柔和而协调。第一眼看过去，画面干净简单，但构图、色调和地貌纹理之复杂却对人有着无限的吸引力，实现了摄影师“拍摄复杂且需要用心现看的照片”的愿望。杰姆•索瑟姆常说：“我在拍照时尽量避免使用宏大的场面来体现壮观，而是更倾向于用较小的规模和历史痕迹来揭示这一切。只要是人类建造家园的地方，就会有史诗般的故事。”（2005年）【学习笔记】英国摄影师西蒙•诺福克的这幅照片选自一个令人难忘的摄影系，主题是气候变化。在真正拍摄前，诺福克会花相当多时间试验拍摄技法，他的构图基本遵循“黄金分割比例”原则，主要兴趣点处于画面三分之一处横轴与竖轴的交叉点上。火线从左往右向上蔓延，带领视线横夸整个画面，最后火势一转，又将视线带回画面中心，让火势与雪山的形状相互呼应。为了完成这幅照片，福克诺进行长达一小时的曝光记录下火燃烧的轨迹，也让来自满月的光照亮了整个画面，在黑夜拍出了如同白昼的效果。（2014年）【学习笔记】英国摄影师弗雷德里克•H.埃文斯在拍摄前的准备工作可谓一丝不苟。他会花上几天时间待在要拍摄的教堂里，仔细观察光线的变化，做出调整以达到最好的曝光。这幅照片可能是他拍摄的最伟大的照片，当然也是经过了长时间准备的结果。三年间，他数次回到萨默塞特郡的韦尔斯大教堂，最终才拍下了这幅杰作《阶梯的海洋，韦尔斯大教堂》。埃文斯对照片所囊括的雄伟、神圣以及时间流逝感做了最好的诠释：“台阶一级一级陡峭地升高，上半部分已经严重磨损了，一直延伸到走廊，它们现在呈现出来的就是吸引我的那个样子，一片真正的由阶梯组成的海洋。许多年来，成百上千的脚步踏过这里，台阶完成了使命，由于磨损而变成了碎浪，慢慢拍打着宁静的海滩。”由于照片实在是太出名了，他拍摄照片的位置被标记在了教堂的地板上，以便后来者能准确地把三角架放在同样的位置上。（1903年）【学习笔记】美国女摄影师贝雷妮丝•阿博特使用一台8吋x10吋的格莱弗弗莱克斯牌世纪通用型大画幅相机拍摄了这幅照片。照片捕捉到了丰富多彩的大都市所蕴含的能量，即便是在今天来看，也依然鲜活生动。阿博特非常谨慎地策划了这幅照片的拍摄，她深知道留给她拍摄的时间很短暂，只有等街道足够黑而建筑上的灯还亮着的时刻才能拍照。而为了找到最佳拍摄位置，她还必须通过协商获得登上摩天大楼顶层的许可。对于风景和建筑摄影来说，对光线和机位的精细策划是拍出好照片的关键。（1932年）【学习笔记】美国摄影师沃克•埃文斯拍摄的这幅描绘佃农家庭室内墙面的照片，集中体现了摄影师从民间建筑中找到视觉诗意的能力。照片从正面拍摄，第一眼看上去构图十分简单、刻板，几乎是平面化的。深入观察后会发现构图是由复杂的线条、形状和结构组组合而成，让人想起立体主义或抽象表现主义的艺术做品。简单摆放的几件餐具，就好像是给生活中十分重要的事物所搭设的神圣祭坛。整体造型拟人化，看上去很像一张脸，盘子是眼睛，刀叉是嘴。餐具后面的墙体表面有着更深的色调。拿走、放回这两个动作不断重复，磨掉了墙体的漆面，留下了家庭成员手上的油渍和污垢，灰色调的微妙变化揭示了眼前看到的只是一时的画面，表明这家人己经上百次地使用了这些悬挂的餐具。我们可以明显觉察到时间的流逝感，觉察到在拍摄这幅照片之前画面是如何存在的，拍过之后又如何继续。这些简单的物品代表了佃农生活无声的尊严，时间就从这些物品中流动了出来。照片将日常的瞬间与场景升格，赞颂了平凡生活的诗意，激发观者进行门回应，让他们看到更深层次的内涵。（1936年）【学习笔记】日本摄影师杉本博司是一位具有工匠精神的大师，他对作品有着严格的标准，将丰富的细节呈现看作画面意义的主要组成部分。他拍摄的美国电影院室内场景的照片，光线来自正在播放电影的屏幕，这是对光的一种思考。思考光线如所立体地、如何雕刻雕塑般的照亮空间，布满建筑物的内部轮廓。从电影荧幕散发出来的光线好像来自另外一个世界，剧院本不该被如此诡异的光线照亮，它们看上去是空的，但其实蕴含着丰富的信息。（1978年）【学习笔记】德国摄影师安德烈•古尔斯基的这幅经典全景照片代表了古尔斯基眼中的现代生活，也展现他制作巨幅数码照片的合成技术，这种画面也只有通过摄影才能得以体现。从远处看，照片是统一的整体，但走到近处观看，照片可以被分解成数百个小画面，每一个小画面都是一间独立公寓的窗户。为了制作出这个画面，古尔斯基在公寓楼正对面与之平行的酒店中找到两个不错的位置，分别拍下两幅照片，并将公寓楼的两端从画面中裁剪掉，营造出大楼会朝着两边无限延升的假象，似乎全人类都能在这个庞然大物中安家。古尔斯基常说：“空间对于我来说非常重要，但我想这是在更抽象的意义上来说。我们不仅要知道我们生活在某一座建筑或者某一个地方，而且要意识到我们生活在一个高速运转于宇宙中的星球上。”（1993年）【学习笔记】加拿大摄影师罗伯特•波利多里的这幅照片选自在哈瓦那拍摄的系利照片。他探索了古巴首都哈瓦那正在消失的光辉，赶在这里尚未完全衰落或被国际投资者们实施现代改造之前拍下了这一幅照片。这幅照片蕴含着强有力的视觉引导，它邀请观看者走进场景之中，然后选择向左上楼或者向右去露台看看外面的世界。在构图上重复使用强有力的垂直线和对角线，带领观看者的目光看遍四周，色彩搭配和谐，在从窗户照进来的柔和光线中，画面融为一体。褐色的涂料、破败的下沿、掉落了灰泥的天花板等等，这些细节突出了时间的流逝和这个曾经繁华的场所的衰落。从这个门厅可以进入哈瓦那数一数二的由政府经营的私人餐厅，这暗示了自由市场经济所带来的影响。波利多里拍摄的照片锐度极高，色调丰富且饱含细节，这对如何展示场景十分关键，他认为：“如果照片很柔和，那么它只能唤起情感，或者留存在你的想像中。你感受到一种情绪，但只能停留在情感的层面。……如果画面中细节更丰富一些，就像那句老话说的，没有什么小说能比现实更荒诞。现实会将最相悖、最矛盾、最相近的东西放在一起，令人无法理解。”（1997年）【学习笔记】老人呆呆地坐在那儿，盯着似乎在画面外的什么东西，使他凸显在这个日常家庭生活场景的正中央。美国摄影师格里高利•克鲁德逊的这幅题为《父亲》的照片尽管看上去很美，但总有种东西让人感觉不对。他认为他的“照片首先要美，但只有美又是远远不够的，我尽力通过照片表达一种内在的焦虑、孤独和恐惧”。（2007年）【学习笔记】英国女摄影师丽巴•巴纳德拍摄的这幅照片是一个舞台布景，位于加利福尼亚州的一间仓库里，美国军方用它来进行士兵作战训练。这个布景是一个沉浸式虚拟现实世界的一部分，结合电脑制作的虚拟人物、物体和特效，让士兵仿佛与真人和真实的物体打交道。整体环境复制了士兵在伊拉克服役的体验，气味、声音、图像和真人大小的武装分子全息影像组合在一起，变成了真实地点的“高保真复制品”，并且几乎变得太过真实，变得比事件或物体本身看上去还要更真实。（2008年）【学习笔记】美国摄影师曼•雷的这幅神秘的《养灰尘》照片中，关于比例和距离的概念都消失不见了，画面看上去像是从天空中鸟瞰的超现实风景。画面中纵横交错的线条就像秘鲁古老的纳斯卡文明在地表留下的图像。画面左侧散落着看上去毛茸茸的碎屑，中和了线条的刻板造型，就像沙漠中随风滚动的风滚草。事实上，照片所呈现的是一块积满灰尘的玻璃。这块玻璃被扔在工作室的桌子上，并在旁边挂了“养灰尘，请重视”字样的警示牌，以防止玻璃被擦干净。玻璃上的线条是小金属条留下的痕迹。拍摄的角度和构图让玻璃表面上看上去像是一幅空中的侦察照。摄影师与合作者用最平常的材料创作出了艺术品，将不被重视的痕迹变为一种艺术形式，然后再变成另一种艺术形式。（1920年）【学习笔记】匈牙利摄影师拉兹洛•莫霍利-纳吉的这幅照片是用自己的手和一支画笔的轮廓拍摄的。他或许是想暗示摄影已经超越绘画，因为物件的透明度不一，光线戓穿透或包裹物件，成为画面真正的创造者。物影照片拍摄的是可触及的真实物体，然而这些物体在曝光过程中被光级塑造成了非具象的抽象形状。因此，物影照片并不是对现实的复制，而是现实的变体，是对光线本质的探索。并且，首要也最重要的是，物影照片探索了“光的塑形”现象。莫霍利-纳吉常说：“摄影师是光线的操纵者，摄影是对光线的操纵。”（1926年）【学习笔记】美国摄影师爱德华•韦斯顿大约拍摄了50张关于青椒的负片——因为它们在外形上有着无穷的变化，因为它们表面的纹理极其出众，因为它们扭曲的外形展现出惊人的张力。《青椒30号》就是这50张负片中的最具代表性的一张。为了寻找最完美的照亮青椒的方式，他将青椒放在一个大型铁皮漏斗中，让光线反射并照亮青椒的四周，营造出强烈的三维立体感，让画面不同凡响。最终呈现给观者一幅完全令人满意的经典作品：青椒——但又不只是青椒。抽象，因为它完全超越了被摄对象。照片不诉诸心理，没有唤起任何人类情感：这颗全新的青椒带我们领略了认知以外的世界。创作这幅照片的故事隐喻了摄影体验，多年来在摄影技艺上的耐心投入和最简单的物体的结合达到了表现力的巅峰。相机从世界中提练出与现实不同的东西，这个过程让平凡变得不凡，韦斯顿就是掌握了这一特性的重要典型。（1930年）【学习笔记】美国摄影师威廉•埃格尔斯顿拍摄从低角度拍摄的这辆童车显得十分雄伟壮观，很像一尊雕塑。画面的主色是美国国旗的红、白、蓝三色，三轮车上斑驳的铁锈可能在暗示美国正逐渐消逝的荣光，背后是典型的效区街道，但三轮车前后轮之间的汽车增添了一些生气，好像正打算开出来碾轧这个玩具。埃格尔斯顿的作品第一眼看上去会令人觉得有些过于简单，但当你仔细审视他的作品，就会发现那些重复出现的形式元素与主题绝不是偶然为之。（1970年）【学习笔记】英国摄影师马丁•帕尔的这幅照片选自《常识》系列，他运用闪光灯和业务胶片给照片带来极其饱和的色彩，增强了画面的莽撞感。每一个细节都被清晰呈现，小孩子指甲缝里的污垢和白色的糖霜形成了鲜明的对比。画面的色彩简单但富有冲击力，蓝色的衣服提供了协调的背景，圆鼓鼓的红色袖子从背景中跳出来，与甜甜圈的形状相呼应。（1996年）【学习笔记】美国摄影师亚历克•素思拍摄的这幅照片《两条毛巾》是《尼亚加拉》一书的封面。这两条毛巾被折叠成了一对天鹅爱侣，相互温柔地亲吻。毛巾上轻微的褶皱给画面增添了一丝忧伤的气氛和深沉的情感。花朵纹的床单强调了我们与自然之间的关系，但也是对连锁酒店常见的沉闷内部装饰的讽刺。从窗口照进来的柔合光线凸显了毛巾的白色，让它们在深色调的房间里熠熠生辉。对于刚刚从事摄影的人，索思有一点忠告：不要太早期待成功，让自己的作品在没有外界压力的情况下逐渐进步十分重要。（2004年）【学习笔记】美国摄影师彼得•弗雷泽拍摄的这个造型奇特的物体看上去就像活的一样，就像一个结构精巧的外星刺猬正沿着架子爬行？很明显，这个物体是人造产物，上面空着的小洞暗示最终结果并不完美。倾泻在场景的强光营造出一种横穿画面的动感以及带有精神品格的强烈色彩。他认为这个东西是“大脑支配双手改变物质属性的典范。”（2006年）【学习笔记】英国女摄影师朱莉娅•玛格丽特•卡梅伦拍摄的这幅极具表现力的人像作品十分现代。小景深、戏剧性的光线与被摄对象低垂的双眼合在一起，创造出一个进退维谷的男性形象，令人难忘。摄影师运用小景深将观者的注意力集中在模特脸部的纹理上，纹理突出了模特下巴上的胡和上眼皮的肿大下垂。模特整个面部无光泽且不显眼，但色调丰富，构成了作品的和谐。卡梅伦说：“当这些人站在我的相机前时，我的整个灵魂都调动起来，我有责任忠实地记录下镜头前这个人内在的伟大与……他的外表。”（1867年）【学习笔记】法国摄影师纳达尔的这幅自拍照体现了典型的纳达尔的拍摄手法：纳达尔的手在底部，和脸部组成一个三角形。搭在她肩上的布料上的高光，更增强视觉趣味性。纳达尔是用光大师，他通过对光线的控制，增强被摄对象面部的构成感。使用强侧光突出轮廓，凸显关键性细节，让画面富有立体感。她说：“要创作一幅亲密而不乏味的人像，尽管凭运气，但你必须迅速与模特进行沟通，揣摩他的思想和个性。”（1859年）【学习笔记】美国摄影师莉赛特•莫德尔的这幅照片是对纹理的探讨。皮草、布料、蕾丝，再加上妇人褶皱而枯槁的皮肤，向我们呈现出一幅美貌与魅力不再的光景。莫德尔有着敏锐的目光，最能吸引她目光的就是处于社会边缘的人，无论贫穷或富有。她曾说：“相机是侦察工具，我们不仅拍摄我们知道的，也拍摄我们不知道的。我热爱拍摄快照，在所有的摄影形式中，快照是最接近真实的。”（1949年）【学习笔记】美国摄影师哈里•卡拉汉是美国最具影响力的摄影师之一，他不知疲倦地拍照，探索包括人像、抽象和风光摄影在内的多个门类。他拍摄他的妻子埃莉诺长达15年，他把埃莉诺的脸当作贯穿作品的主线，也常常拍摄她的裸体。他觉得妻子很美，自然而然地就拍她。通过埃莉诺，卡拉汉更加清晰地看到了自然与世界的形状与结构。即便是没有埃莉诺出现的照片，也能看得到埃莉诺的身影。（1949年）【学习笔记】美国摄影师保罗•斯特兰德是一位坚定的纪实摄影师，他拍摄的人像作品往往十分直接，直接让拍摄对象的肩膀与相机保持水平，十分具有表现力，这种直接的风格会十分有对抗性，吸引观看者的目光。图中男孩的双眼中似乎有一团火焰，已经烧灼到了画框之外，不用凭借光线或姿势等视觉效果就能凸显人物性格。做为一种对纹理和色调的探索，这幅照片也十分有美学价值：男孩的皮肤、衣服，以及木门上的纹理相互映衬，在柔和的光线下得到了极佳的呈现。（1951年）【学习笔记】这幅引人注目的照片是英国摄影师诺曼•帕金森运用色彩的眼光、简洁而富有戏剧性的构图以及智慧与幽默的典型体现。摄影师通过这幅照片富有创意的完成委托摄影任务提供了一个示范实例。这顶无边女帽的简洁外形及其富有戏剧性的红色得到了凸显。模特的红唇与双眼组成了一个倒三角形，与帽子的形状及颜色交相辉映。模特的目光是看向画面之外的，这让画面有了一种轻盈而梦幻的感觉。如果模特直视相机镜头，这幅作品的意境就没有了。（1959年）【学习笔记】在美国摄影师伊芙•阿诺德的这幅照片中，被摄对象偏离画面中心，画面构图带领视线从左下角沿着手的方向移动，在戒指处停留，然后再利用眼镜腿线条将视线引导至人物眼睛。偏离中心的构图使得阿诺德能够切掉帽子的一小部分边缘，与整体构图相呼应，并让观看者的目光重新回到马尔科姆•X的侧面轮廓上，接着再回到他的眼睛。如果帽子没有挨到画面的边缘，观看者就会随着马尔科姆•X的目光将视线游移到画面之外。（1962年）【学习笔记】英国摄影师布莱恩•格里芬拍摄这幅照片时使用了三重曝光，将英国后朋克乐队女歌手苏克丝的双眼从她黑色头部突显出来，制造出引人注目的特效。在钨丝灯提供的光源下进行了第一次曝光，只照亮背景，使其显出灰白色，而被摄对象则完全笼罩在黑暗之中，让苏克丝的发型呈现为戏剧性的阴影；第二次曝光时使用由黑色无光金属片制作而成的聚光照亮眼睛，光束呈现出复杂的形状。他还要求苏克丝将身体前倾，传染眼睛显的更大，然后他不小心又进行了一次曝光，因此在不同的位置出现了第二只眼睛。正是这个错误成就了这幅照片。布莱恩•格里芬说：“当你彻头彻尾地失败时，就迎来了成功。”（1984年）【学习笔记】美国摄影师玛丽•艾伦•马克拍摄这幅震撼人心的人像摄影作品是她在为《生活》杂志工作期间拍摄的。画面中一对夫妻温柔地相拥在一起，孩子们看向车外，眼神中流露出对不确定的未来的担忧。这家人的临时住所就是这辆轿车，没有引擎盖，在驾驶座一侧没有窗户，座椅上的大部分坐垫装饰都不见了，车里有难闻的味道，被一只叫伦尼的斗牛犬破坏的一团糟，在大部分时间里，狗都被拴在副驾驶座的头枕上。伦尼是一种身份的象征，一种潜在的武器，一个可爱的对象，也是某种形式的证明。（1987年）【学习笔记】美国摄影师哈里•博登是英国最受欢迎的人像摄影师之一，他在将人物性格与拍摄环境相结合这一点上，有着非凡的能力。这幅引人注目的人像照片是他为一部英国电影《我与长指甲》的宣传文章拍摄的。理查德•格兰特是这部电影的主演。哈里•博登在格兰特家中搭建了一个临时摄影棚，用伸缩式支架竖起一块黑色幕布，将一个环形闪光灯放在镜头下方来照亮人脸，效果十分完美，向上的光线很好地诠释了格兰特在电影中塑造的形象：能放电的微笑和漂亮的牙龄，看上去狡黠而调皮，仿佛一尊哥特式的滴水嘴雕塑。博登有自己独特的视觉风格，他对周边的环境做出回应，并和被摄对象一起在环境中发现自我。在视觉上，他会设法利用拍摄场景的特点来决定画面给人的感觉，并让拍摄对象放松下来，从而拍摄了无数构图精美、极富洞察力的人像照片。博登很自主，不喜欢和很多造型师合作的大型拍摄项目，他更愿意去某个人家中，独自拍一些照片。（1997年）【学习笔记】德国摄影师奥古斯特•桑德是摄影史上最重要的的人像摄影家之一。他的摄影观点是：“人是由光、空气、遗传特征和动作组成的。我们能从外表分辨出一个人所从事的工作，我们能从一个人的面部表情判断出他是开心还是忧愁。”因此，欣赏他的照片时，我们很难不去思考德国历史，并想像画面中的人在当时所扮演的角色。画面中的三个男人实际上并不是农民，而是在煤矿工作的工人，他们在去跳舞的路上遇到了桑德，应邀当他们的模特。他们不太合身的西装、手杖、帽子和泥泞的乡间小路所构成的不协调景象，凸显了农村的城市化进程。相同的站姿和着装，让三个人成为一个整体，但帽子的戴法、手杖倾斜的角度和眼神又彰显出每个人的个性。（1914年）【学习笔记】美国摄影师多萝西娅•兰格经历了悲惨的童年，7岁时罹患小儿麻痹症导致终身残疾；12岁时父亲抛弃了家庭，这些经历使她更加坚强。她拿起相机后，常常和人们席地而坐，任小朋友们研究相机，允许小朋友们用脏兮兮的小手在相机上摸来摸去，也允许他们用手指截相机镜头。兰格拍摄时，喜欢从远处取景，然后越走越近，构图也越来越紧凑。拍摄这幅作品时，她在画画中只保留了女主人的脸以及躲起来的孩子们，并将整幅照片的情感全部集中在母亲哀伤的表情中。兰格认为：“只有当你静下心来，从不断冲击我们生活的、习惯于停留在快速打印中的恼人群体中脱离出来，仔细审视一个安静的画面……才能在观看中有所收获……观看者才愿意停下来，反复欣赏、思考”。（1936年）【学习笔记】德商美国摄影师霍斯特•P.霍斯特的敏感细腻，在他的构图之中体现得尤为明显，尤其是他对光线和阴影的运用，严谨而科学。在这幅作品中，黝黑的阴影看上去厚重而坚实，大块的阴影与三角形的高光区域形成了明显的对比，凭借对光线的运用构建了这副照片。他谨慎地用聚光灯强调出高亮的区域，让其他部分只留下剪影。霍斯特•P.霍斯特常说：“时尚是时代的表达，优雅是另一回事。”（1940年）【学习笔记】英国摄影师塞西尔•比顿的目标很明确：拍摄最为激动人心的照片，凝聚人心，提振士气。于是，在1941年在去往塞拉力昂的途中，比顿拍下了这幅吸引人的照片：一名正在操作缝纫机的水手帅气而肌肉发达，光着膀子、歪戴着帽子，身上散发着幽默感和时尚感，比顿作为时尚摄影师的经验在这幅照片中有明显的体现。与被摄对象的目光接触，在这里显得尤为重要，照片因此有了一种狡黠而玩乐的气息，流露出一种英国式的精神。（1941年）【学习笔记】马里摄影师马利克•西迪贝在农村长大，祖祖辈辈耕地放牧，过着简单而远离尘世的生活。1955有着极高的艺术与绘画天天份的他，成为一间摄影工作室的学徒，第二年拥有了自己的第一台相机，第三年成为一名全职摄影师，第四年建立了自己的摄影工作室，所拍摄的人物都衣着光鲜，不同寻常，完全打破了刻板印象中饱受饥荒困扰、绝望而无助的非洲印象。在这幅引人注目的人像作品中，背景中不断重复的图案与男士的西装形成了令人眼花缭乱的对比效果。运用这一效果，西迪贝在摄影棚中营造出不同寻常的、极具表演性的空间。他认为，摄影师的审美能力必须与被摄对象的情感相结合，才能成为称职的摄影师。同时要具备观察力，也要明确自己想要什么？对待被摄对象一定要友好，与他们产生共鸣，一定要让被摄对象放松下来，这极其重要。（1978年）【学习笔记】荷兰摄影师莱捏克•戴克斯特拉拍摄的这幅照片是一系列年轻游泳者的人像中的一幅：将海滩视为一个过渡空间，它承载的不仅仅是从海洋到陆地的过渡，也是从童年到青春期的转变。她所拍摄的人物似乎都正处于从一种状态过渡到另一种状态的边缘地带。海滩的开放性和游泳者半裸的状态使得戴克斯特拉能够以对比的方式去审视生命中的这一关键时刻，寻找从儿童到青少年的过渡，并让观看者在这一过程中寻找年轻心态的线索。（1992年）【学习笔记】英国摄影师史蒂夫•派克拍摄这幅照片时，他将这只脚看作仿佛用石头刻出的雕塑。他认为：这种凝固感是他创作的主线。派克在自己的职业摄影师生涯中始终保持着强烈的个人视角。他拍摄进距离的人像作品，专注于“我所拍摄的人，专注于相面术”。他这样解释说：“在人像摄影中存在一个静止的时刻，我喜欢在静止状态拍摄人像，我一直努力，并真正喜欢去捕捉的是那种人们偶尔会表现岀来的、哪怕只有几分之一秒的自然状态。”（1998年）【学习笔记】英国摄影师埃德沃德•迈布里奇在其他摄影领域的成就或许让他非常知名，但他对于人和动物的运动轨迹研究让他在人类感知领域上有了重大突破。在这幅令人震撼的体操选手的照片中，他真正放慢了时间，令时间变得可见，将一瞬间拆分成独立的部分，再把这些部分重组，用来研究运动的连贯性。他使用多台相机，以便从多个角度记录拍摄对象，将身体在时间和空间中的每一个细微变化都精准地记录下来。（1887年）【学习笔记】德国摄影师约翰•哈特菲尔德是最具智慧和讽刺意味的蒙太奇艺术摄影大师，他是一个完美主义者。总会工作到截稿的最后一刻。这幅夺人眼球的照片标志着约翰•哈特菲尔德与《劳动者图片报》（简称AlZ）合作的开始，还经历了时间的考验。这幅摄影蒙太奇作品直接针对对手出版物《前进》（Foward）和《节奏》（Tempo）。图中暗示了这两个出版物在关于现状方面提供错误信息并且误导读者。哈特菲尔德很善于使用语言和文字，画面中本该是嘴巴和眼睛的部位，被报纸的大标题所取代，Tempo一词中的“o”延伸出的笔画看起来很像一根眉毛。对他而言，语言和文字不再只是视觉装置，而是能够传递意义。他创作这幅摄影蒙太奇的原因是：我同时在报纸上的照片中可以看到已经说明了的，和没有说明的事情……只要放上错误标题或者图注，就能撒谎或者讲实话，基本都是这样操作的。”哈特菲尔德的这幅作品也呼应了战后的敏感情绪，当时的德国社会依然停留在战争的伤痛之中，被报纸“绷带”缠满的脑袋预示着对那些伤亡人员的追忆。（1930年）【学习笔记】美国摄影师尼古拉斯•尼克松的这两幅照片选自一组纪实摄影作品，记录了同一群女性的岁月变迀，目前仍在持续创作中。这组系列照片是对衰老过程和家庭关系的一次深刻思考，这些照片令人难忘，时间的流逝在每一张面孔上留下了印记。姿势和身体语言的微妙变化，暗示了在相当长一段时间里姐妹们性格的改变。观看全部照片是一次情感体验，常常有观众在展览现场放声哭泣。（1975～2015年）【学习笔记】美国女摄影师辛迪•舍曼的这幅照片是她突破性的系列作品《无题电影剧照》后的延续之作。她假装自己是一名年轻的女演员，在虚构的场景中扮演了很多角色。这幅照片中的女性看上去处于恐惧之中，好像要被什么攻击，也许摄影师正是想借此来表现对女性的压榨所带来的危险。辛迪说：“所有人都以为我的作品是自拍照，但其实我的本意并非如此。我拍自己，是因为我可以将自己的潜力挖掘到极致。”（1981年）【学习笔记】加拿大摄影师杰夫•沃尔的这幅照片《骤起的风（致敬葛饰北斋）》是他最著名的作品之一，模仿了19世纪日本画家葛饰北斋创作的本版画（右侧）。这幅照片充满了动态与戏剧性的场面，在风中，树干被吹得歪斜，人们正努力抓住漫天飞舞的纸片。这一幕看上去极为真实，但事实上这幅照片是摄影师花费两年时间，运用数码手段将超过一百幅照片中的元素组合在一起而完成的大型蒙太奇作品。（1993年）【学习笔记】墨西哥摄影师曼努埃尔•阿尔瓦雷斯•布拉沃拍摄的这幅令人难忘的照片中，一个女孩正在透过墙上一个像深深的眼窝一样的孔洞里往里观看，就好像她可以丢掉天真无邪，穿越到另一个世界一样。她的右脚与踩在上面的左脚保持平衡，把自己微微抬起，这表明她想看到更多，但也令人联想到古典雕像的姿势，她的衣服和帽子代表了墨西哥农民和传统的生活，受到了黑色的孔洞后另一边可能的现代性的挑战。这幅作品是布拉沃化平凡为魔力的代表作，诠释了他对欧洲超现实主义的憧憬。他说：“拍摄你所看到的，而不是你所想到的。……拍摄照片时，你是不会想去说些什么特别的……而是去营造某种视觉上的东西，这种东西会是有摄像者并未打算去传递的某种含义——这取决于观众的解读，摄影者不必要去作解释。”（1933年）【学习笔记】美国摄影师罗伯特•弗兰克拍摄的这幅照片是在新奥尔良每天都能看到的场景，反映了美国南部种族问题的复杂牲。无轨电车的车窗将人们分隔开，每一个车窗中的人都代表了一种典型的美国社会阶层：从正用严厉而不屑的目光注视着摄影师的中产阶级妇女，到典型的黑人女佣以及诚实可靠的“汤姆叔叔”型工人的非洲裔美国人。在正中间，打领结的小男孩象征着巨大的贫富差距。在丰富的含义之外，画面形态也因金属、皮肤和玻璃的不同质感而显得复杂多样。画面中的电车成为一个二维的平面，立体的人物从这个平面上突显出来。沿画框的顶部扇扇窗户的反光，像是能够自动进带的电影胶片，已经有些模糊的电影剧照正讲述着自身的故事。（1955年）【学习笔记】美国摄影师威廉•克莱因拍摄的这幅构图密集的照片是1956年出版的纽约市影集的开篇，画面中四位被摄对象的面部在边缘处被拉伸，充分呈现了他用广角镜头无限接近拍摄对象的标志性手法。他将这座城市的多元文化生活捕捉在了一个画框中，一场感恩节游行让不同的种族和类型的人们在街角机缘巧合地组成了一个整体。克莱因自学成才，抵触专业摄影所设定的条条框框，倾向于更加松弛，凭借直觉的拍摄手法。因此他自成一派，找到了更加适合城市喧嚣的创作风格。（1955年）【学习笔记】英国摄影师托尼•雷-琼斯的这幅照片拍摄于肯特郡一个海边小镇的沙滩，展现了他对拍摄那一瞬间的场景编排的卓越掌控能力，他首先尝试竖着拍照，然后又横着拍，将穿白衬衫系领带的男士放在画面左下角。接着缓缓移动镜头，等待画面在自己眼前逐渐展开，直到小女孩从斜坡上跳下，而她周围的人却毫无察觉。照片可以按照构图被分割为几个部分，每一个部门都能独立构成一幅画面：画面右上角的小孩正在拉窗帘；有一对推着婴儿车的情侣；有一位男性从左侧走入画面。即便将影像中的某些部分遮住，剩下的部分也依然十分有趣。画面中的文字和街道设施是整个叙述中非常重要的元素，而画面中的小细节同样对整体叙事有帮助：被丢在一边的凉鞋代表在小女孩跳下的方向有一片沙滩，而斜坡上的小狗看上去是被它身下的一团不明的黑色污渍弄脏的。（1967年）【学习笔记】美国摄影师加里•维诺格兰德的这幅充满智慧的影像记录了1969年一群正在观看阿波罗11号发射的观众。维诺格兰德取景角度通常是去框取场景的水平元素，使用垂直边缘做参考，就不会造成倾斜，在利用场景中的线条组建画面时，不要直直地横穿或上下构图，可注意对角线构图。（1969年）【学习笔记】美国摄影师李•弗里德兰德对相机如何捕捉前面的景物，渲染出现在镜头前每一个平凡元素的能力非常着迷。这幅照片是他在探索如何利用屏幕或者反射面，比如窗户和汽车的后视镜，来将影像的平面碎片化，利用垂直和水平元素，比如电线杆和灯柱，来划分画面。这幅照片好像一个视觉的拼图玩具，在天空、树木、电线和街道设施中相同的元素到处重复，有些在镜头前有些有镜头后，然而它们组合在一起构成了一个无缝的世界。他经常把自己拍到画面里，一只眼睛盯着镜头，另一只眼睛自由地观察场景。（1970年）【学习笔记】美国摄影师艾略特•厄威特出生在巴黎，父母是俄罗斯人，在米兰长大，1939年全家搬到美国。厄威特是平衡构图大师，善于通过仔细观察在画面中遂个并置各个成份，以制造出故事点或视觉双关语。在他的这幅照片中，表现了一个女人着靴的双脚，站在一只大丹犬的腿和一只吉娃娃狗之间。反映了当时人类的状态。狗是厄威特作品的永衡主题——“它们是长毛的人类，它们具有人类的品质。”他说：“任何地方都能找到画面，需要做的是关注他们并组织他们，你只需要留心周围的事物，关注人性和人间常态。”（1974年）【学习笔记】捷克摄影师约瑟夫•冠德卡在成为全职摄影师之前，一直是一名航空工程师，他因为匿名发表了反映苏联入侵布拉格的重磅照片而成为一名政治流亡者，一直过着游牧式的生活。而他认为游牧生活方式是作为一名摄影师的自然选择。他的这幅影像充分发挥了光影的作用，投射在墙上的男人的剪影像一个木偶。三角形构图在画面中营造了强烈的对角线运动感，将观众的目光引导到关键人物的身上。笼罩着神秘色彩的女人，天使般的孩子，以及农人的弯钩叉，都给影像增加了复杂性，让观众对场景的叙事产生联想。对他来说，一幅好照片就是能够给看到他的每一个人讲述一个不同的故事。（1976年）【学习笔记】美国摄影师亚历克斯•韦伯对充满活力的街头生活有一种发自内心的感受。正如这幅反映孟买街头景象的照片中，他寻找丰富、饱满的色彩，将其与生动的构图一起，与这里的气氛和精神产生了共鸣。韦伯非常了解光线的色彩，光线的角度，以及一束光线或光线的特殊影调如何能够彻底改变局面。最终的构图，就像这幅照片一样，成为一个视觉谜语，鼓励观众去探寻它的复杂形式和内涵。他说：“我同时去感觉空间、光线、色彩、形式和场景。我不是在思考，而是在感受街头的一切……我感兴趣的是这些元素的情感和感觉的基调。”（1981年）【学习笔记】美国摄影师戴维•艾伦•哈维是一位充满激情、将自己沉浸于他所记录的事件里，置身于他所拍摄的场景之中的摄影师。他工作简练，使用最少的设备，尽可能的接近他的拍摄对象。这幅照片即保留了他靠近拍摄对象的特点。在构图上，这幅照片也是他的典型风格：将一个重要人物在前景中占据画框的一半。哈维有一个开放的头脑开放的心胸，还有微笑。他善于接受新事物新技术，使用手机扩展他的日常创作，觉得创作的即时性和自发性得到了解放。（1998年）【学习笔记】美国摄影师W•尤金•史密斯拍摄的这幅展示两个妇女纺纱场景的照片是一幅在弗郎哥的独裁统治下西班牙乡村日常生活的强有力的肖像。史密斯视觉风格的标志是深黑和纯白的高对比图像，以及他特有的明暗对照法用光，这是他以摄影的眼光看待世界的方法。史密斯对工作极富情感，极为投入，他的笔记本上详细地记载了他如何计划每幅作品，然后不断重复地拍摄每一个场景，真到获得他想要的影像。他常说：“没有足够的情感，那么要大景深有什么用？”（1951年）【学习笔记】瑞典摄影师安德斯•彼得森拍摄的这幅名为《莉莉、罗斯和斯卡在雷米孜咖啡馆》的照片，将观众的视线从呈“之”字形线排列的一系列人物身上逐渐拉远，深入烟雾缭绕的咖啡馆内部，前景中人物脸上的暗部使图像更有深度。人物的眼光很有意思，斯卡和莉莉与观众对视，而罗斯只盯着莉莉。彼得森说：“黑白摄影能够比彩色摄影呈现更多的颜色……你能运用你的经验、知识和想象……加入你自己的色彩。”（1970年）【学习笔记】美国摄影师威廉•阿尔佰特•阿拉德拍摄的这幅表现有力地刻画一位上了年纪的老牛仔的照片，反映了照片中的主角——72岁的享利•格雷，曾做过52年的农场主，但美国政府希望他的牛离开这片土地。阿拉德回忆道：“我们搬家了…”享利停顿了一下，迷失在自己思绪中，他的身后是48颗星的美国国旗。”阿拉德在一个画面中囊括了这个男人的全部生活，国旗、公牛的头、他的帽子和他的倒影，形成一个有力的环形构图，代表着格雷的内部和外部世界。他消沉的表情诉说着一个时代的结束。像这幅照片一样，阿拉德的许多照片都有一个停顿的时刻，因为他相信“安静的照片能够产生共鸣和力量”。（1970年）【学习笔记】巴西摄影师塞巴斯蒂昂•萨尔加多拍摄的这幅照片中，一个年轻的太妃苹果糖小贩被一个老妇人从窗口注视着。萨尔加多的作品以他对光的掌控而著称，他对侧光和逆光有超强的敏感度，并用它们来创造纵深感和立体感。他说：“不仅照片是重要的——更重要的，是你身处的照片所展示的社会的那个时候。如果你明白了这一点，你就没有极限了。……摄影对我而言，就是我的语言、我的生活、我在外旅行和做事的方式。”因此，他的作品以真实的感同身受和对被摄对象的尊重为标志，无论他们的社会地位如何。（1978年）【学习笔记】印度摄影师洛古•雷把与他周围世界精神相连的哲学延伸到他的构图方式。从来不会给照片事先构图他说：“有时我开始于脑海里的一个框架，锁定目标，突然魔法出现了……云变幻着，一张脸浮现在眼前，一条狗呼啸而过，一只乌鸦降落在鸽子中间，一副表情变化着，一条长纱巾在风中飞过。每一个时刻都是真正的神迹。这种你与周围世界的连接，只是你全神贯注和辛勤工作的结果，而非某种神奇的运气……你必须是直觉的、本能的，耐心等待`连接'的那一刻。你必须能够与那一刻融为一体，并按动快门。”他拍摄的这幅引人注目的图像描绘的高峰期巨大的流量就是印度的日常生活，强调在拥挤的火车站人们活动的规模：低速快门的使用让多数经过相机的乘客形成了一道模糊的人流，画面中心的几个男人似乎没有意识到他们周围的人群，他们在阅读每日新闻，眼镜和胡子为他们增添了资产阶级的个性元素。取景强调了火车站的规模，照片中的透视汇聚线条表明，站台永远在运行，一直延伸到外面世界的灯火阑珊之中。同时，他用画面左侧的广告做了一个诙谐的注解，火车时刻表分秒精准，与此同时整个国家是那么庞大。他总结了他的哲学：“要么你捕捉到事物的神秘，要么你揭示神秘。其他一切都只是信息。……对我来说，相机是一种学习的工具……一种对自我和世纪的学习工具。”（1995年）【学习笔记】加拿大摄影师拉里•托维尔的作品融合了摄影、音乐和诗歌。其作品多是长期项目，关注无家可归者的生活、流亡和农民抗议等话题。“家”这个概念是他作品的核心。他说：“虽然我到处旅行，但总有一种被放逐感，无论到哪里，对家的渴望贯穿始终。……当我不旅行时，我会将相机对向自己。”在这幅照片中，托维尔鬼魅般的身影，戴着他标志性的草帽，以摄影师特有的姿势站着，是一个他探究旅行和回家之间关系的令人回味的时刻。华丽的家门上小狗的重影暗示着漫游和旅行又要到来了。（1996年）【学习笔记】意大利摄影师保罗•佩里金最初学的是建筑学，他将这一专业上的经验加入了他的摄影作品中。那些空间思维感、在指定位置安排元素的能力，在摄影上经常用到。这幅照片中的人物似乎被周围的窗户困在了当中，就像一块琥珀化石标本。图像告诉我们，颠沛流离的旅行还没有结束，反射在汽车车窗上的棕榈树说明这是在热带地区，但小姑娘脸上的愁苦表情和这里天堂般的环境形成了鲜明的对比。这一切告诉我们，这是一个艰难的旅途。观众充满同情地想象这个女孩到底遇到了什么不幸或灾难。这幅照片充分体现了保罗•佩里金的理念：他将观众的注意力集中在大环境下的某个个体身上。明暗对比的暗淡、沉闷，照片中暗示着外部世界的反射投影，错位的架构，视觉上的深度感。以及最重要的——主要人物的隔离感，这些都是他的摄影作品的主要特点。（2006年）【学习笔记】美国摄影师约翰•斯坦梅尔拍摄的这幅被月光照亮的图像，闪烁着原始的辉光。照片表现了一群移民在海滩上将他们的手机举向天空，仿佛在向科技的神明祈祷。这是一幅触动人心的照片，雄辩地概括了全球移民的复杂性。照片里的人大部分是索马里人，来这里“捕获”附近手机基站的信号，因为他们的手机使用的是索马里SIM卡，这幅照片讲述了现代移民的故事，揭示出一个全球共同的渴望——打电话回家。最终，这幅名为《信号：夜晚聚集在吉布提海滨的贫困非洲移民》获得2013年度世界新闻图片大奖。斯坦梅尔住在美国马萨诸塞州，在那里他开设了一间带咖啡屋的画廊，将直销的良知牌咖啡和他的摄影作品所代表的社会问题结合了起来。他说：“不要为了自己做这项工作，而是为了更伟大的目的——为了全人类。”（2013年）【学习笔记】美国摄影师雅各布•里斯利用他拍摄的图像来让公众意识到纽约贫民窟糟糕的情况，他深入贫民窟拍摄时没有声称自己是一名摄影师，他没有创造审美对象的欲望，只是用相机记录下他目睹到的那些骇人听闻的生存条件：在一个不到13英尺的房间里睡着12个男人和女人，两三个铺位在壁龛里，其余的在地板上。他们睡在五美分一个的床位上。里斯的工作有着重大的影响力，它记录了美国历史上一段重要的时期，用影像推动了纽约贫民窟条件的改善。（1889年）【学习笔记】美国摄影师刘易斯•海因把相机作为社会改革的工具，并专门为了童工的权利而四处奔波。他认为：“社会工作者的格言就是“要有光”，在这场为了光明的运动之中，我们的先遣队就是——摄影”。在这幅照片中他使用墙壁表面的线条和图案与纺织机器去衬托孩子，孩子贪婪地凝视着窗外，这表明她对工厂外面美好生活的向往。（1908年）【学习笔记】：南非摄影师大卫•戈饶布拉特倾注他的全部摄影生命记录了南非社会的紧张局势，包括白人统治年代和后种族隔离时代。这幅照片来自他在20世纪60年代为那时统治南非的白人拍摄的一个系列作品。它探讨了如何通过脸、服装和举止来体现种族的价值。衣服的重复和殖民时期帽子的微妙变化，给人的感觉就像是一个准军事单位，而白马的脸反映出南非白人对权力和地位的信仰。（1964年）【学习笔记】：南非摄影师丹尼•里昂沉湎于芝加哥一个由非法车手组成的非法摩托车俱乐部。这幅照片用尼康F相机拍摄，复杂的图像把观众的目光吸引到场景之中，前景中挡风玻璃形成一个框架，将画面分割开来，后视镜里车手埃尔克霍恩的影像将观察者的目光拉回到车座上，准备好和车队一起出发。对于里昂来说，拍摄存在于社会边缘的人们是非常重要的个人选择。他认为：摄影是一个孤独的旅程，你需要做真实的自己，因为你正在试图与现实互动。他说：“相机的使用对我来说一直是一个探索的工具。”（1966年）【学习笔记】：德国摄影师伯恩•贝歇夫妇于1957年在杜塞尔多夫艺术学院上学时结识，由此开始了对德国工业建筑进行记录，1976年伯恩在杜塞尔多夫艺术学院任教，他具有追求完美的性格，痴迷于细节，经常重复每件事，直到一切都完美无缺，培养并影响了一代摄影师，开创了杜塞尔多夫大学派。这幅照片中的储油罐，以建筑的形式表达了对每一个国家民族特点的深刻理解。同时也传达出被定义为西方工业景观的建筑的美丽和尊严。正如他的妻子希拉所总结的：“建造这些建筑并非为了美，但它们仍然拥有一种美，就像锤子或钳子，这些忠实而完美的物件，你无法再做任何改进。”（1973-2009年）【学习笔记】：英国摄影师克里斯•基利普出生在马恩岛的道格拉斯，学的是酒店管理，后来决定成为全职摄影，以便赚到足够的钱离开这个岛，后来获得了北方艺术摄影协会的奖学金，最终于1994年成为美国哈佛大学终身教授。他拍摄的这幅照片中穿着大号马丁靴的男孩，似乎概括了迷失的一代北方工人阶级的挫败感和愤怒，他们的经济前景因为英国工业基地的崩溃而毁于一旦。克里斯花了八年时间，克服社区对他的出现所产生的抵触情绪，并跟他们一起住了一年多。他在纽卡斯尔住了十五年，为了进入现场去拍摄海运煤工人就花了八年。因此，他的图像显现的看起来更像是一个在中世纪或未日后的艰难劳动场景，而不是位于世界上最富有的国家之一。（1976年）【学习笔记】：美国摄影师拉里•萨尔坦是一位观念摄影师，他通常在日常状态下工作，拍摄高度情绪化和具有心理影响的照片，在此状态下感知身体语言、姿态等细节以及一个场景中最微未的细节。拉里在他的摄影创作中十分有条理，列出拍摄计划，而不是简单地期望精彩图像会自发出现。他的摄影以家庭为主题，这幅照片看似简单，但事实上无论是在内容和意义上，还是在组成元素上，这幅照片都非常复杂并内涵丰富，电视屏幕上棒球选手的头和母亲的竖直站姿形成了一个三角形，赋予照片一个强有力的内部结构，这个结构让观众的目光无情地穿越父亲的光头，集中到画面中的关键要素。画面的色彩和谐，同服装的纹理和图案一起，代表了美国的一个特定社会阶层。他说：“直正去摄影才是我所希望的，我希望时间停止，希望我的父母永远活着。（1992年）【学习笔记•一O六】：英国摄影师罗杰•芬顿在短短十一年的摄影职业生涯里就确立了自己作为当时最重要的摄影师之一的地位。从风光和肖像摄影到建筑和静物摄影，都表现出色。并受当时维多利亚女王邀请，拍摄王室的私人生活。芬顿在“死亡之谷”拍摄了这幅照片，这个山谷因丁尼生的诗歌《轻骑兵》中的诗句而得名。然而，围绕这幅照片存在一些异议，因为在另一张负片中，路上没有加农炮炮弹。研究表明，那幅照片是在这幅更出名的照片之前拍摄的，芬顿或其他人把炮弹搬回到了道路上，可能是为了模拟他几天前看到过的场景。这幅图像中的地平线大约从下往上在整个画面的三分之二处，道路与河床的线条都聚向地平线上的一个消失点，再次以三分之一的方式贯穿整个画面。这给画面创造了一种强烈的运动感。（1855年）【学习笔记】：德国摄影师埃里希•萨洛蒙是个谦逊的戴眼镜的秃头，他把这一切变成了自己的优势：身穿黑色礼服，打着黑色领带，把自己融入场景之中，像是隐身人一样从事自己的工作，并很快掌握了“偷拍木”，被称为“摄影【学习笔记•一O九】：匈牙利摄影师罗伯特•卡帕原名安德烈•弗里德曼，为了让自己的著作能够顺利出版，他和他的女朋友格尔达•塔罗编造了“伟大的美国摄影师罗伯特•卡帕”这个名字。1944年，他在法国拍摄了表现诺曼底登陆的历史性照片。战后，他与人联合创办了马格南图片社。此后，他又回到战场，于1954年在印度支那触雷身亡。1936年至1939年期间，罗伯特•卡帕对西班牙内站进行了大量的报道，他对前线战事的报道生动而富有时效性，是当时十分罕见的新闻报道方式。这幅强有力的照描绘了巴斯克城市毕尔巴鄂的街道上人们惊慌的场景，他在那种情况下仍能敏锐发现细节的眼睛聚焦到了一个把外套扣子系错了的急冲冲跑向防空洞的小女孩身上。（1937年）界的遁术大师霍加尼”。他拍摄的这幅照片显示：在1931年的一个招待会上，英国首相和阿尔伯特•爱因斯坦正在热烈地交谈。（1831年）【学习笔记】：匈牙利摄影师罗伯特•卡帕原名安德烈•弗里德曼，为了让自己的著作能够顺利出版，他和他的女朋友格尔达•塔罗编造了“伟大的美国摄影师罗伯特•卡帕”这个名字。1944年，他在法国拍摄了表现诺曼底登陆的历史性照片。战后，他与人联合创办了马格南图片社。此后，他又回到战场，于1954年在印度支那触雷身亡。1936年至1939年期间，罗伯特•卡帕对西班牙内站进行了大量的报道，他对前线战事的报道生动而富有时效性，是当时十分罕见的新闻报道方式。这幅强有力的照描绘了巴斯克城市毕尔巴鄂的街道上人们惊慌的场景，他在那种情况下仍能敏锐发现细节的眼睛聚焦到了一个把外套扣子系错了的急冲冲跑向防空洞的小女孩身上。（1937年）【学习笔记】：英国摄影师拉里•罗伯斯是一位有工匠精神的大师，他坚信正确的装备是工作的保证。1965年春天，伯罗斯加入了美国海军陆战队飞往越南的163直升机中队，他计划跟踪拍摄一名任务在身的机组成员，记录典型的陆战队员是如何度过一天的。因此，他选择了一等兵詹姆斯•法利为拍摄对象，这幅照片就是伯罗斯拍摄到的法利因为失去战友，因痛苦而控制不住情绪，最终崩溃的画面。（1965年）【学习笔记】：英国摄影师菲利普•琼斯•格里菲斯最初是一名药剂师，一直保持着严谨的职业素养，后来成了一位伟大的记录冲突的摄影师。这幅强有力的照被他选为自己的战争回顾专题画册《黑暗的冒险之旅》封面（1996年）原有的图说显示了他不露声色的机智和智慧：“自古以来，盾牌是对军事设计提出的挑战——如何在不牺牲防护的前提下看到敌人。最新的发明是有机玻璃制造的质牌。但不幸的是，反复使用后，后牌的能见度很差。（1973年）【学习笔记】：法国摄影师吉勒•佩雷斯曾经在巴黎学习政治经济学和哲学。1970年开始摄影工作，次年加入马格南图片社，被誉为20世纪70年代涌出的“新一代摄影记者”之一。他的视角更主观、更个性化。他的照片总是涉及在某一历史环境下的个人奋斗主题，以及个人的记忆如何与宏观的历史图景相互影响。这幅复杂的图像被分成了四块，每一小块画面都包含独立的视觉叙事，右下角男孩的嘴巴、脸颊和被裁掉一点的头部，以及左上角神职人员的胡子，形成了一个视觉谜题，等待观众去解谜。这种复杂性是有意义的，它不是简单的视觉上的形式操练。他强调说：“我已经不在乎所谓的“好照片”了，我在做的是收集历史证据。”（1980年）【学习笔记】：美国摄影师安东尼•苏奥赢得过包括两次世界新闻摄影比赛（通称“荷赛”）在内的年度大奖。他拍摄的这幅照片忠实记录了一个历史性的时刻：柏林墙的倒下，捕捉到了它的戏剧性和巨大能量。广角镜头直接把我们带入现场，在四溅的水雾中，柏林市民摧毁了这一令人痛恨的分裂象【学习笔记•一一四】：美国摄影师苏珊•梅塞拉斯在上世纪80年代初被称为新一代的“关注派”新闻摄影师。并于1992年获得了麦克阿瑟奖。他对历史进程和图像在现在是如何对过去形式的看法发挥的作用非常着迷。这张画框中拍摄于1978年的照片最初出现在她极具开创性的书籍《尼加拉瓜》（1981年）中，在开车行驶在马那瓜郊区一座名为古斯塔德坡扯莫的山丘旁时，她看到一具已经被秃鹫吃了一半的尸体。这幅尸体照片具有强大的震撼力，因为它和周围的美丽风景形成了鲜明的对比。她对色彩的使用，以及她的主观方法给新闻摄影带来了新的能量。2004年梅塞拉斯回到尼加拉瓜，她将书中的图像作品搬到了户外，海报似的巨大壁画，安装在了起初照片拍摄时的确切位置。这幅完全融入了周围风景中的照片就是其中一幅。“重塑历史”项目涉及与当地社区配合工作，创造一个有共同回忆的地方，并使照片的功能从当初的商业价值转变为一种连接历史进程的方式。（2004年）征一→柏林墙。苏奥意识到：1989年11月展现在面前的是一个不朽事件，“柏林墙的倒塌绝对是一个特殊的时刻，是一个能够改变世界的重大事件，足以载入史册”。（1989年）【学习笔记】：美国摄影师苏珊•梅塞拉斯在上世纪80年代初被称为新一代的“关注派”新闻摄影师。并于1992年获得了麦克阿瑟奖。他对历史进程和图像在现在是如何对过去形式的看法发挥的作用非常着迷。这张画框中拍摄于1978年的照片最初出现在她极具开创性的书籍《尼加拉瓜》（1981年）中，在开车行驶在马那瓜郊区一座名为古斯塔德坡扯莫的山丘旁时，她看到一具已经被秃鹫吃了一半的尸体。这幅尸体照片具有强大的震撼力，因为它和周围的美丽风景形成了鲜明的对比。她对色彩的使用，以及她的主观方法给新闻摄影带来了新的能量。2004年梅塞拉斯回到尼加拉瓜，她将书中的图像作品搬到了户外，海报似的巨大壁画，安装在了起初照片拍摄时的确切位置。这幅完全融入了周围风景中的照片就是其中一幅。“重塑历史”项目涉及与当地社区配合工作，创造一个有共同回忆的地方，并使照片的功能从当初的商业价值转变为一种连接历史进程的方式。（2004年）【学习笔记】：美国摄影师大卫•伯耐特是本行业最有经验的新闻摄影师之一。他在技术上紧跟时代，总是向前看，绝不回头观望，他说：“你生活在新闻摄影的黄金时代，怀旧完全没有意义。”在这幅表现运动实力的标志性照片中，大卫•罗伯特把运动均拍的像一个模型，强调了体育竞技场的戏剧性效果。微分对焦的使用传递出胜利时刻的欢呼雀跃，将注意力投向冲过终点线获得胜利并赢得金牌的运动员。伯耐特在拍摄中会去寻找一个能够以他的方式诠释事件的特殊视角，他不会自己跑到正在比赛的运动场中，而是找到一个有利位置，获得更有说服力的图像，让他的照片与众不同，就像这幅照片。（2012年）

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原标题：《李游：《跟大师学摄影》学习笔记》

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