欧姬芙、布尔乔亚……看这些女艺术家的一系列大展
今天是三八妇女节。在艺术史上，女性艺术家为了获得话语权与平等地位进行了漫长的斗争。这一过程仍在继续，但是近年来，女性艺术家的创作正在受到越来越多的关注。恰逢三八妇女节，《澎湃新闻·艺术评论》整理了2021年到2022年，女性艺术家在世界各大重要美术馆与博物馆中举行的展览。
其中，有布尔乔亚、妮基·桑法勒、欧姬芙等在世时已经有所名气的艺术家，更多的是大器晚成、甚至在世时因为种种原因而鲜为人知的名字，如今年2月刚刚去世的107岁古巴艺术家卡门·埃雷拉，以及去世后40多年才被发现的抽象艺术最早的创作者之一希尔玛·阿芙·克林特。
激进的女性艺术小组“游击队女孩”(Guerilla Girls)曾在1985年时提出：“去年究竟有多少女性在纽约市的各大博物馆举办了个展?答案是，MoMA只有一位，而古根海姆、大都会和惠特尼则为零。”
游击队女孩 《去年有多少女性艺术家在纽约的美术馆举办个展？》, How Many Women had One Person Exhibitions at NYC Museums Last Year ? , 1985
近40年后，这一现象无疑有所改变。近年来，全球艺术界确实更多地将目光聚焦到女性艺术家和女性艺术创作上。女性艺术家在美术馆和画廊等艺术机构的曝光愈加频繁，据2020年3月6日公布的一份环球艺术市场报告中统计：“2019年，在艺术二级市场上，女性藏家的份额达36%，在画廊中，展出的女性艺术家数量占总展出艺术家总数的44%。”而在过去的2021年，据环球艺术市场报告的统计，女性艺术家在美术馆和画廊展出总数量已经上升了2个百分点。
在今年的威尼斯国际艺术双年展上，塞西莉亚·阿莱玛尼（Cecilia Alemani）成为这一双年展历史上第5位女性总策展人。同时，在127年的历史中，此次双年展首次包括大多数女性和多样性别的艺术家，在参展的213位艺术家中，仅有21位是男性。这个选择反映了一个充满创造性酝酿的国际艺术场景，也反映了“对男性在艺术史和当代文化史上中心地位的深思熟虑的重新思考”。参展的女性艺术家包括芭芭拉·克鲁格（Barbara Kruger）、南·戈尔丁（Nan Goldin）、露易丝·奈弗逊（Louise Nevelson）、露丝·阿泽（Ruth Asawa），还有首位代表美国参加其国家馆的黑人女性艺术家西蒙·利（Simone Leigh）。“这个展览发生在意大利，而不是在纽约，性别方面的情况是不同的，”阿莱玛尼指出，“我意识到，展览不会改变什么，但它可以具有象征价值。如果回溯威尼斯双年展127年的历史，女性艺术家参与的比例非常低，我想给过去被压制的声音留下空间。”
而在过去的2021年和已经开始的2022年中，也有不少重要的女性艺术家作品在全球各大美术馆中展出。这些展览在一定程度上回应了1985年“游击队女孩”提出的问题——如今，越来越多的大型的美术馆和博物馆，开始系统地研究和关注女性艺术家的创作。
卡门·埃雷拉
卡门·埃雷拉（Carmen Herrera）
今年2月，107岁的古巴艺术家卡门·埃雷拉（Carmen Herrera）在自己家中去世。在她去世之前，埃雷拉最著名的身份便是“在世最年长的女性艺术家”。
埃雷拉把自己绘画中的直线和简洁的形式感归功于大学时期学习建筑的经历。她从上世纪40年代开始进行艺术创作探索，到了50年代，埃雷拉开始在纽约接受系统的艺术训练。在巴黎逗留的几年中，她深入了解了马列维奇和蒙德里安，以及他们那大胆的颜色和几何形状构。在前人成熟风格的影响下，埃雷拉开始了她长达70年的几何绘画创作。虽然埃雷拉的丈夫一直支持着她的绘画创作，但画廊的经销商们却一直拒绝她参加展览。
《蓝和白线》（Carmen Herrera Blue with White Line）卡门·埃雷拉 1964
埃雷拉完全投身绘画事业60余年后，在她89岁高龄时才被发掘。2004年埃雷拉终于卖出了自己的第一幅作品。同年年底，纽约现代艺术博物馆收藏了她的几幅作品。之后著名的利森画廊(Lisson Gallery)选择了埃雷拉，2017年，惠特尼美术馆为埃雷拉举办了名为“卡门·埃雷拉：视线”的大型回顾展。
《橙与红》（Orange & Red）卡门·埃雷拉 1989
当这位具有强烈个人艺术特色的百岁老人逐渐为世人所知之后，很多人都在讨论她早年“怀才不遇”的话题，但埃雷拉自己却认为这是一件十分趣味性的事，而且这也是在恰好的时间，在恰当的地方产生的，她更相信这是命运的安排，而不是她刻意而为之的。
《黑与白》（Black and White） 卡门·埃雷拉 1987
2020年10月21日至2021年4月25日，休斯敦美术馆（Museum of Fine Arts）为卡门·埃雷拉举办了大规模的个人回顾展——“卡门·埃雷拉：构建平面”（Carmen Herrera: Structuring Surfaces）。 2021年，埃雷拉的雕塑《绿色结构》（(Estructura Verde）在洛杉矶郡立艺术博物馆选的近期绘画为位于东岸的空间揭幕。今年2月，埃雷拉的雕塑《绿色结构》(Estructura Verde) 刚刚在洛杉矶郡立艺术博物馆结束展览。
《Blanco y Verde》 卡门·埃雷拉 1959
妮基·桑法勒
妮基·桑法勒（Niki de Saint Phalle）
2021年3月11日至2021年9月6日，MoMA为法裔美国女艺术家妮基·桑法勒（Niki de Saint Phalle）举办了大型的回顾展，共展出超过100件妮基创作的不同类型的作品，包括绘画、雕塑、建筑手稿与模型等等，展现她对社会与政治问题的关注，回顾她的创作发展历程。
圣法勒 《塔罗花园》（Tarot Garden），Niki de Saint Phalle
圣法勒 《塔罗花园》（Tarot Garden），Niki de Saint Phalle
妮基·桑法勒（1930—2002）出生于法国巴黎，1933年跟随父母定居美国。成年后才开始学习绘画，创作风格受到西班牙建筑师高迪的影响。妮基的创作形式涵盖拼贴、雕塑、版画、电影等多种媒介，重点关注女权、气候、艾滋病等具有社会性议题。1986年，她在德国留学期间创作并出版了插画书《握手不会感染艾滋病》，致力于减轻社会对艾滋病的误解与歧视。
桑法勒 《握手不会感染艾滋病》书籍封面，Niki de Saint Phalle，1986年
本次回顾展的亮点之一，是妮基·桑法勒创作的大型户外雕塑作品“塔罗花园”（Tarot Garden），这组作品由超过15件大型雕塑组成，历时20年制作完成，同时还展出了与“塔罗花园”相关的摄影作品、手稿、绘画以及雕塑模型，以此呈现妮基创作的丰富性过程。
圣法勒 《如今知晓的事物曾经只是想象》（What is now known was once only imagined），Niki de Saint Phalle，1979年
圣法勒 《塔罗花园》（Tarot Garden），Niki de Saint Phalle
爱丽丝·尼尔
爱丽丝·尼尔（Alice Neel）
2021年3月22日至8月1日，爱丽丝·尼尔（Alice Neel, 1900—1984）的大型回顾展“以人为先”（People Come First）在纽约大都会艺术博物馆开幕，这是尼尔二十年来在纽约最大型的回顾展。
爱丽丝·尼尔（Alice Neel） 《第九大道车站》，1935年 布面油画 61 x 76.2 厘米
尼尔长年居于纽约，这座城市成为了她最忠诚的创作主题。她全部作品都记录着纽约街道上的生活闹剧和建筑的平凡之美，并通过绘画展现出这座城市的多元、坚韧和对外来者的热情包容等。
爱丽丝·尼尔（Alice Neel） 《杰弗里·亨德里克斯和布莱恩》，1978年 布面油画 111.8 x 86.4 厘米
爱丽丝·尼尔（Alice Neel） 《母亲与孩子（南希和奥利维亚）》，1982年 彩色石板印刷 66 x 61 厘米
“以人为先”将尼尔视为二十世纪历史上最重要、最激进的画家之一。在这次展览中，大都会博物馆本展出了近百件尼尔的绘画作品：反对法西斯主义和种族歧视的社会图像，描绘大萧条时期受难者的肖像相映一堂；从艺术家在纽约哈林区的邻居、政治领导人，到酷儿艺术家、杂居纽约的外地人，尼尔的绘画是社会的群像。是次展览也强调了尼尔从1930年而来的水彩与油画情色创作。她对“母亲”这一命题的描绘，和她笔下的裸体人像（包括明显怀孕的裸体形态），其中的坦诚与反叛是西方艺术史上前所未有的。
爱丽丝·尼尔（Alice Neel） 《西班牙家庭》，1943年 布面油画 86.4 x 71.1 厘米
而在2022年秋季，巴黎蓬皮杜艺术中心还将为尼尔举办另一场大型回顾展“投注的目光”（Un regard engagé）。
爱丽丝·尼尔（Alice Neel） 《在108街的多米尼克男孩》，1955年 布面油画 106.4 x 121.9 厘米
乔治亚·欧姬芙
乔治亚·欧姬芙（Georgia O'Keeffe，1887—1986）
乔治亚·欧姬芙（Georgia O'Keeffe，1887-1986）是美国近代画女性大师，被称评论界成为“美国现代艺术之母”，她的光环远超过了其它同年代的画家。
乔治亚·欧姬芙 1936年作品《红色山岗和白云》（red hills with pedernal white clouds）
2021年4月20日至8月8日，蒂森·博尔内米萨博物馆举办了乔治亚·欧姬芙在西班牙的第一次大型回顾展。通过约90件作品不同时期的作品，较为全面地展示了欧姬芙的职业艺术生涯。
乔治亚·欧姬芙 1921年作品《蓝色和绿色的音乐》（Blue and Green Music）
乔治亚·欧姬芙 1926年作品《黑色鸢尾花》（Black iris III），现藏于美国纽约大都会美术馆
在欧姬芙一生的创作中，最著名的是她笔下的花卉系列作品。首批花卉系列作品在1925年于纽约展出时，将欧姬芙推到绘画生涯中的第一个高峰，也奠定她作为1920年代美国代表性画家的地位。这期间的代表作《曼陀罗草，白花No.1》，后来曾在2014年纽约苏富比的拍卖上以4440万美元（约合2.89亿元人民币）成交，成为拍卖场上女性艺术家价格最高的作品。
乔治亚·欧姬芙 1928年作品《两只粉红色的浪漫海芋》（Two Calla Lillies on Pink）
欧姬芙笔下的花们从来不含苞欲放，故作姿态，而是在静默中全然地绽放。她简单而大胆的构图，往往比一般描述详细的画作更能吸引人的注意，其不同颜色的花的细部显得精妙流畅，收放自如，尤其是红色和黄色的互补显得热烈而富有生机。
乔治亚·欧姬芙 1939年作品《木槿花与缅栀花》（Hibiscus with Plumeria）
乔治亚·欧姬芙创作于1932年的《曼陀罗/白花一号》（Jimson Weed/White Flower No 1）
希尔玛·阿芙·克林特
希尔玛·阿芙·克林特（Hilma af Klint）
瑞典籍艺术家希尔玛·阿芙·克林特（Hilma af Klint，1862—1944）是当代艺术界最早创作抽象艺术的画家之一，部分作品的创作时间早于俄罗斯画家康定斯基、马列维奇和荷兰画家皮特·蒙德里安等抽象艺术的初期代表艺术家。她的艺术创作受到唯心主义、通神说、人智学的影响，作品主要建立在精神意识上，融合了几何图形和装饰性符号，代表作品包括与灵修团体“The Five”合作完成的实验性绘画、“神殿”系列（1906-1915）、“The Ten Largest”系列等。
希尔玛·阿芙·克林特作品
作为一个深入研究唯心论、科学新发展和自然世界的艺术家。在此之前，没有人创作过像她这样的画作：如此巨大的规模，如此耀眼的色彩组合，如此神秘的符号和超凡脱俗的形状。在一个女性创作自由有限的时代，她的绘画成为她非凡智慧、精神追求和开创性艺术视野的宣泄出口。1944年，克林特去世时共留下超过1300幅画作和约2.6万页笔记。她在遗嘱中写道，考虑到自己的作品可能无法被当时的人们所理解，因此希望至少在数十年内不要公开她的画作。
希尔玛·阿芙·克林特作品
希尔玛·阿芙·克林特作品
直到1986年，即在她去世40多年后，克林特的作品才第一次公诸于世。首先是洛杉矶县艺术博物馆(Los Angeles County Museum of Art)在一次群展中展示了她的画作，从那之后，她充满女性符号和绚丽色彩的灵性作品便不断吸引着一批又一批的拥趸。2019年在纽约古根海姆美术馆(Guggenheim)展出的“希尔玛·阿夫·克林特：未来画作”(Hilma af Klint: Paintings for the Future)吸引了超过60万名观众，成为该馆60年历史上参观人数最多的展览。
希尔玛·阿芙·克林特作品
2021年6月12日至9月19日，“希尔玛·阿夫·克林特：秘密画作”(Hilma af Klint: The Secret Paintings）在新南威尔士美术馆（Art Gallery of New South Wales）展出，呈现了艺术家的核心系列画作、早期实验性绘画、大量抽象水彩画，以及她的笔记本等，带领参观者了解这位20世纪瑞典抽象艺术的先锋人物。这也是亚太地区首次为希尔玛·阿夫·克林特举办个展。
Hilma af Klint Group IX/UW, The Dove No. 2,1915
Hilma af Klint The Ten Largest, Group IV, No. 5, Adulthood,1907
琼·米切尔
琼·米切尔（Joan Mitchell，1925年2月12日—1992年10月30日）在她40多年的职业生涯中建立了独特的视觉词汇，她是美国“第二代”抽象表现主义画家和版画家，她对传统图形与背景的关系，以及对色彩联觉的运用进行了极具创造力的全新演绎，使得她在同辈的艺术家中独树一帜。
《蓝莓》琼·米切尔 1969
《无题》琼·米切尔 201cm × 186cm 1971
在米切尔的画作中，常常伴随着诗性的启示，那是一种不可重复的瞬间的记忆，不论是风景还是静物，都以抽象的形式消融在了她那有强力的涂绘中，仿佛图像是从她的身体里抽出的，并被完全转化成一种纯粹的感受性书写与思辨。
米切尔作品中直观的结构和充满情感的构图不断地唤起个人、观察、地点和时间点地联想。她作品中常展现与树木、花朵和水有关的元素。
《无题》 1959年 琼·米切尔 来源 Lévy Gorvy画廊
2021 年 9 月 4 日至 2022 年 1 月 17 日，美国旧金山现代艺术博物馆举办了琼·米切尔的大型回顾展，共展出80多件米切尔创作的代表作品。其中包括大量罕见的早期绘画和素描，这些绘画和素描奠定了米切尔的职业生涯；以及她晚年的大尺幅绘画等，同时也展出了精选的艺术家信件和照片等文献资料，为了解米切尔极具影响力和突破性的创作实践打开了一扇新的窗口。
《无题》 1959年 琼·米切尔 油彩 1965
《Parasol》 琼·米切尔
路易丝·布尔乔亚
2022年2月9日至5月15日，路易丝·布尔乔亚（Louise Bourgeois）的展览"编织的孩子"（The Woven Child）在伦敦海沃德美术馆（Hayward Gallery）展出。展览呈现了艺术家用不同类型的纺织品制作的多件纺织作品，也是她艺术生涯最后二十年的相关创作脉络的展现，包含床单、手帕、挂毯等织品，传递艺术家对于身份、创伤、记忆等主题的一贯核心。
路易丝·布尔乔亚，《蜘蛛》，1997年
路易丝·布尔乔亚（Louise Bourgeois）1911年生于法国巴黎，25岁时开始专注于艺术创作，她以接近于超现实主义的方式进行绘画和版画创作，后来又开始尝试雕塑。布尔乔亚创造力的真正爆发还是在70岁以后。她大胆尝试橡胶、石膏等新材料，并恰到好处地将行为、装置等形式融入自己的艺术。
路易丝·布尔乔亚《Cell》系列
布尔乔亚的市场在1982年她的首个MoMA回顾展之后，才迎来了真正的起飞，使布尔乔亚可以开始创作她标志性的大型青铜雕塑，如大型的蜘蛛雕塑等。一般人对布尔乔亚印象最深的记忆，莫过于她那大型蜘蛛，布尔乔亚说她最好的朋友是她母亲，母亲就像蜘蛛一样聪明，耐心，灵巧，她也懂得保护自己。她从母亲身上抓取一些特质，然后创作大蜘蛛。
“细胞”和“蜘蛛”，路易斯·布尔乔亚
路易丝·布尔乔亚作品
很少有人到90岁时，还能像波尔乔亚一样保持如此旺盛的创造力，在雕塑、绘画、写作等方面均有建树。她自己写了这样一句话:"人越老越聪明"。2010年5月31日在她居住的纽约曼哈顿因心脏病去世，享年98岁。
路易丝·布尔乔亚 作品
玛琳·杜马斯
玛琳·杜马斯（Marlene Dumas）
2022年3月27日，位于意大利威尼斯的格拉西宫（Palazzo Grassi）将为玛琳·杜马斯（Marlene Dumas）举办大型的个人专题展览，作为专门为当代重要的艺术家举办的专题展览的一部分，该系列展览最初于2012年启动，与皮诺收藏专题展览交替进行。
玛琳·杜马斯作品
展览名为 “open-end”，由卡罗琳·布尔乔亚与玛琳·杜马合作策划。展览将汇集杜马斯创作的100多件作品，并专注于她的整个创作脉络的梳理，除了1984年至今创作的重要的架上绘画作品之外，还将展出艺术家近期创作的多件架上作品，及素描和草图文献等。
玛琳·杜马斯作品
玛琳·杜马斯（Marlene Dumas）被认为是当代艺术界最具影响力的艺术家之一。她1953年出生于南非开普敦。在残酷的种族隔离制度下长大并学习美术。1976年，杜马斯来到欧洲学习深造，并在阿姆斯特丹定居，至今仍在那里生活和工作。
玛琳·杜马斯作品
杜马斯经常会用女性、儿童或者婴儿作为她的作品的对象，女性之美与艺术则是她的作品中永恒的主题。杜马斯早期的作品，常常将剪切过的图片和文字粗糙地拼贴在一起，探索影像与拼贴画及文字之间的关系。1984年，她从概念研究转向传统人物画的创作。从此，杜马斯真正开始了她多产的职业创作生涯，并创作出著名的肖像、裸体油画和水彩画等系列作品。曾有评论称，杜马斯的作品是将色情的愉悦与概念主义批判相结合的产物。
玛琳·杜马斯作品
作为最著名的当代女性艺术家之一，杜马斯不是简单地描画生活，而是将绘画作为自己研究历史的方式。她经常用女性、儿童或者婴儿、有色人种及性欲的场景作为描绘对象，绘画语言也极具个人特色，包括粗重的线条、中性的色彩、极少的修饰等，并以此来破坏图像基本的叙事功能，剥下图像美好的外衣，挑起了人们的困惑和恐惧，从而凸现了一种自我的符号性。
玛琳·杜马斯作品
杜马斯的作品主题形象很多来源于自己拍摄的照片或新闻图片等，她曾说：“我是一个使用二手图像和第一手情感的艺术家。”但她始终认为，摄影只是画家的一种辅助手段。所以在她的作品中人们不会看到孤独冷漠的模特，看到的是一张张扭曲变形、充满深意的面孔。她用影像复制出现实世界的表象，其最终指向的却是人们的内心世界。
苏菲·陶柏-阿尔普
2021年的11月至2022年3月，一场名为“苏菲·陶柏-阿尔普：有生命的抽象”（Sophie Taeuber-Arp：Living Abstraction）的展览在纽约现代艺术博物馆拉开帷幕。苏菲·陶柏-阿尔普（Sophie Taeuber-Arp，1889-1943），这位被印在瑞士纸币上的神秘艺术家，一度被丈夫的光环所掩盖，如今重新出现在大众面前，而这一次，她仅仅是作为自己的苏菲·陶柏-阿尔普。
苏菲·陶柏-阿尔普（Sophie Taeuber-Arp） ，瑞士，1925年8月
陶柏- 阿尔普是苏黎世达达宣言（Zurich Dada Manifesto）的签署人之一，伴随着对乌托邦的渴望、冲动与承诺，她将达达的思想运用到广泛的形式中，她参与编辑杂志、室内设计、制作木偶以及神秘的达达主义物品，同时还创作刺绣、绘画与雕塑作品，她将传统工艺与现代主义中的抽象语汇相结合，她的创作打破了艺术类型和形式之间静态、人为的界限，而这种解放带来的创造性又成为她庆祝自由的方法；她在实践中挑战了艺术和社会中的传统规范并质疑性别、阶级和民族的某些固定观念；她还探索了艺术与表演的关系，她将达达抽象的思想与舞蹈和木偶相结合，用面具和服装表达并突出了存在于舞者和舞蹈之间的某种割裂。
苏菲·陶柏-阿尔普，法国斯特拉斯堡 黎明宫 茶室设计图稿，1927
1910年，陶柏-阿尔普进入德布希茨美术与应用艺术学校（Debschitz School for Fine and Applied Art）学习，这段学习经历为她未来的创作奠定了基础。四年之后，她回到了苏黎世，开始接触鲁道夫·冯·拉班的艺术运动学派（Rudolf von Laban's School of Art Movement），加上之前纺织设计和立体主义训练的影响，她开始了绘画和雕塑的创作以及现代舞的研究。1915年11月，在苏黎世的坦纳画廊（Galerie Tanner）举办的“现代挂毯、刺绣、绘画和素描”（Modern tapestries, Embroidery,Paintings and Drawings）展览期间，她第一次见到了让·阿尔普（Jean Arp，1886-1966）。
第一次世界大战期间，让·阿尔普、特里斯坦·扎拉（Tristan Tzara）和马塞尔·扬科（Marcel Janco）等流亡瑞士苏黎世的艺术家们在伏尔泰酒店（Cabaret Voltaire）相识，并一起开创了达达主义运动，这群达达主义者们受到战争的启发，用艺术嘲笑、批评了现代世界的荒诞与无意义。1917年，达达画廊（Galerie Dada）开幕时，陶柏-阿尔普表演了现代主义舞蹈，同一年，两人相爱了。
苏菲·陶柏-阿尔普，《斜线与小透明圆的组合》，1916-18，拍摄：Mick Vincenz
陶柏-阿尔普在33岁那年嫁给了让·阿尔普，根据瑞士的习俗，婚后她用了一个连字符的双姓，从那时起，她开始使用“阿尔普-陶柏（Arp-Taeuber）”这个名字，到了20世纪30年代，“陶柏- 阿尔普（Taeuber-Arp）”逐渐成为了她的艺名。
第一次世界大战后，这对夫妇的许多朋友都搬到了巴黎，当时的巴黎是前卫艺术的中心，1928年，他们搬到了巴黎以南约5英里的默东（Meudon），直到1940年，他们一直生活在那里。1942年底，这对夫妇回到苏黎世，他们计划前往美国，可是新旅程尚未开始，一场可怕的意外突然降临了。1943年，因煤气炉损坏导致的一氧化碳泄漏，陶柏-阿尔普在睡梦中再也没有醒来。
来不及叹息，一个如此美奇妙的生命就此戛然而止，更令人惋惜的是在她有生之年，陶柏-阿尔普从未举办过个人展览，她的第一次回顾展于1954年在伯尔尼艺术博物馆（Kunstmuseum Bern）举办，但在那次展览中，她丰富的应用艺术实践几乎被忽略了。在后世的传播中，陶柏-阿尔普被广泛地认知为抽象主义画家、雕塑家，但这样的描述却掩盖了她贯穿一生的艺术创作的核心，那些被忽视的充满活力的跨领域的作品。
苏菲·陶柏-阿尔普，达达头像，1920
回顾陶柏-阿尔普的艺术创作，不难发现她对20世纪60年代女性主义艺术的影响，随着女权主义的第二次浪潮，1977年，她的应用艺术和设计作品在瑞士的温特图尔（Winterthur, Switzerland）和法国的斯特拉斯堡（Strasbourg, France.）举行的大型展览上展出，同年，纽约现代艺术博物馆为其举办了一个小型展览，展出的作品包括来自1918年的木偶剧《国王的雄鹿》（King Stag）中的五个牵线木偶，四件纺织品，三幅充满幻想的服装设计图纸，以及三件创作于1928年为法国斯特拉斯堡（Strasbourg）黎明宫（Aubette）设计的建筑空间作品，而在《有生命的抽象》这场展览中，以上作品再次出现，交叠的历史空间使观众有了更多的遐想。
苏菲·陶柏-阿尔普 ，《鹿王》中的守卫木偶，1918
2006年与2012年，陶柏-阿尔普的作品曾在纽约现代艺术博物馆由莉亚·迪克曼（Leah Dickerman）组织的两场大型主题展览“达达”(Dada)和“抽象的发明”(Inventing Abstraction)中得到了突出的展示，那些展览集中展出了陶柏-阿尔普在1916年至1920年间创作的作品。相比之前的策展重心，“有生命的抽象”旨在全面考察托陶柏-阿尔普的职业生涯，展出的作品包括从她1914年搬到苏黎世后不久创作的作品，一直到她去世前几个月在二战期间创作的作品。尤其在这次展览中，策展团队有意排除了让·阿尔普在她死后创作的被称为“二人组”（duo-dessin）的绘画和拼贴画系列，以及他在二战后对她作品的各种“再创作”，他们认为这样做并不是要传递“她是孤立地工作，或者她与阿普的合作是不重要的”这类偏颇的想法，而是为了把她放在研究的中心位置，这次展览的精专之处是贯穿陶柏-阿尔普一生的自定义创作。
“有生命的抽象”展览现场 拍摄：Jonathan Muzikar
时至今日，陶柏-阿尔普的作品被普遍地认为是现代主义和达达主义故事的一部分，她的艺术既与她的时代相关，也与我们的时代相关，因为她的作品让人可以用一种更加开放和生产性的方式来思考现代艺术史，与此同时，“有生命的抽象”与身体、应用艺术、建筑空间以及它所处的政治、社会和文化环境相呼应，它们作为一种人类意识的写照被记录保存了下来，由此人们也看到了一个穿透时间的陶柏-阿尔普。1922年，陶柏-阿尔普曾写下这样一段话：“只有当我们深入自己，完全忠于自己，我们才能成功地创造出有价值的东西，有生命的东西，并以这种方式发展出一种适合我们的新风格。”100年后的这场展览也许就证明了她对艺术的思考，这一刻，生命进入抽象的永生，陶柏-阿尔普没有被遗忘。
（本文根据“99艺术网”“艺术与设计”公众号等相关报道整理）